筆者にとって、本展を見て最も印象に残った作品は、島伸彦の《something big》であった。島の典型的な作品は平面的と記述されることが多い。確かに島の作品はフラットな色面に特徴があり、これを平面的と見なすのは自然なことに違いない。ところが、この作品から、およそ平面的とは言い難い不思議な空間把握がもたらされたのである。それはいわゆる遠近法的な奥行きの把握ではなし、オールオーヴァーな抽象絵画に対して指摘される「浅い奥行き」とも異なる感覚であった。それは、モチーフ（この場合は二羽の小鳥）の形態と相互の位置関係−例えば方向性や距離感など−、さらには図と地の色彩の対比の効果によってもたらされたと推測される。画面のサイズも無視できないが、より重要なのは画面のサイズとモチーフのバランスである。
　ところでこの展覧会には島の作品が8点出品されていたのだが、《something big》から受ける感覚は他の作品とは異なっていた。そこで、《something big》を島の出品作品8点の中でもう一度とらえなおしてみたい。島の作品はステンシルの技法で制作されているが、図と地の関係に着目するならば、今回の出品作品は以下の3つのタイプに分類できる。
（1）図が塗られ、地は塗られていないもの→《frost》
（2）図は塗られず、地が塗られているもの→《exit》、《nightmare》
（3）図と地にそれぞれ違う色の絵具が塗られているもの→《somethig big》、《roof》、《ground》《polestar》、《time landscape》
　まず明瞭に感じられたのは、（1）や（2）に比較して、（3）のタイプが最も成功しているということである。（1）や（2）では、図と地のどちらかは絵具が塗られず、キャンバスの地が見えている。そのため、図と地が反転するような効果は得られても、視覚的な効果はさほど高くはなく、色彩よりも形態（と配置）が重要である。言い方を変えれば、良くも悪くも図式的なのである。おそらく、キャンバス地が露出しているエリアが物理的な平面として認識されるためだろう。これに対して、（3）のタイプでは、図と地がそれぞれ別の色で塗られているため、視覚性がより強調されている。そのため、塗り自体が平面的であっても、図と地の色彩が対比される効果により空間的な広がりが知覚されるようになるのである。
　ここでは《something big》との比較のために、《ground》を取り上げてみよう。この作品では、ベージュ系の地にクリーム系の色で動物（犬？）の姿が描かれている。動物は右上から中央にかけて描かれているが、全体が画面におさまっているわけではなく、上辺と右辺で切られているため、抽象的な図像としても見えてくる。図と地はそれぞれ一定の面積を有しているため、図と地が反転するような効果は感じられるものの、空間そのものは基本的には平板であり、《something big》のようなとらえがたい空間は発生していない。また、色彩も比較的近い色が選ばれているため、デリケートな気配が漂う反面、《something big》のような色彩の対比による空間の発生もさほど感じられない。
　このように若干の考察を加えるだけで、《something big》が特別に筆者の興味をひいた理由を、わずかではあるが明らかにすることができた。こうして興味を惹かれた作品について思いをめぐらせることから、「フィクション？」展の全体を視野におさめることが、いずれ可能になるだろうと思う。その作業は、ゆっくりとしか進んでいかないため、ここでこれ以上の論を展開することはできないが、機会があれば本展について改めて考えてみたい。 　

「フィクション？」展会場風景 島伸彦作品：左から《exit》、《time landscape》、《polestar》、《Something big》 すべてアクリル、顔料、カンバス、2001年　 写真撮影：長塚秀人　 写真提供：東京都現代美術館

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　この時代に誰もが共有しうる価値基準など存在しないことぐらいはわかっているつもりだ。しかし、異なる価値観の共存や価値の多様化が叫ばれる状況において、時代はむしろ批判精神を欠き、多様化とは裏腹の趣味の画一化が進行しているように思えてならない。そんな状況にあっては、様々な批判があるにせよ、一方では企画者のテイストが強く押し出された個人主義的な展覧会のようでありながら、他方では誰の趣味とも特定できない時代の気分が漂うような展覧会でもあったという意味で、「フィクション？」は貴重な企画であった。同じ作家の選定に対して批判する声があれば評価する声もあるのは当然である。むしろ、そうした判断の根拠が結局のところ、展示された作品に対する評価に立脚しているという事実を改めて思い起こすべきだろう。繰り返しになるが、不毛な制度論や状況論に無駄な時間を費やすのはやめて、作品について論じるべきではないかと思う。

　高柳恵里の個展を見た（モリス・ギャラリー／4月1日-13日）。そういえば高柳はMOTアニュアルの第1回展の出品作家でもある。新たに発表された作品は、相変わらず他の追随を許さない境地を独走している。呆気にとられるような素っ気無さ。突拍子もない発想。しかし、そうした作品にしても奇を衒った感じが全くなく、さも当たり前のようにただそこにある。そして、驚嘆しつつもすぐにそれを当たり前のこととして受け入れてしまっている自分に再び驚愕してしまう。感覚的な言い方ではあるが、いつのまにか脳内のチューニングが勝手に変えられてしまい、しかも展覧会場を出たあとでもチューニングがもとに戻らない、そんな感じなのである。ということはつまり、どんなにひそやかな外見をしていても、高柳の作品には存在感や強さがともなっているというべきか。書きたいから書き始めたのだが、あの奇妙な作品たちを思い起こしても、戸惑いが増えるばかりで、作品についての記述をする気が起きない。作品について論じるべき、と書いたばかりなのだが、今回はご了解願いたい。