2026年冬展では、数万年以上の時間を内包する鉱物の結晶「岩絵具」を素材とし、独自のルールを用いて描き方を生成変化させる画家・田中藍衣を紹介します。 本展では、一筆一筆の素材への問いかけが積み重なり、画面に堆積した「応答の連続」を、単なる描画様式としてではなく、自然の摂理や社会との対話として提示します。彼女の画中に宿る「私と世界のあり様」を通じて、私たち自身の存在のあり方について考える機会となれば幸いです。


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数万年以上の地球規模の時間を内包する鉱物の結晶を素材とする岩絵具。招聘作家の田中藍衣は、この岩絵具に応答するかのような独自のルールをもちいることで、描き方を常に生成変化させ、画中に「私と世界のあり様」を宿す画家です。本展では、この画面に堆積した「応答の連続」を、単なる描画の様式を超えた、自然の摂理や社会との対話へと翻訳し、「私たちの存在のあり方」について考えてみたいと思います。

田中と岩絵具の対話は、粒子サイズを調整する調色、グリッドのフィールド作り、そして描画へと続くシンプルなプロセスの中に、複雑に絡み合います。例えば、粒子の重さゆえに平置きで描かなければならない制約は、彼女に「描く」という能動的な身振りよりも、絵具を「置く」「繋げる」という、画材への介入と受容が入り混じった中動的行為を選択させています。これは、油彩画が画中に光源を描き込むことに対し、絵具の粒子一つひとつが環境の光を受け止め反射することで初めて色が立ち上がるという、日本画の「環境を受容する美学」に通じるものです。
《Knot》のグレーが、近くで見ると赤、青、黄色、オレンジ、黒、白の粒子の集合体で構成されるように、田中は点描のように描き分けるのでなく、あえて調色に注力し、絵筆で描き分けない選択をしています。田中にとって、この「混色しても互いの色を保つ」という岩絵具の特性を活かすことは、個々の粒子（個）を尊重したうえで、全体（関係性）が成立するという、自然環境や社会構造のメタファーとして機能しています。

画面の粒子たちに落ちる光景は刻一刻とうつろい、まるで「土地が呼吸している」ように生気を帯びる《Shift》。かつて美術批評家・ロザリンド・クラウスが指摘した近代のグリッドは、現実世界や自然を遮断し、芸術の自律性をもった平面でした。(1)しかし、田中の画面のグリッド模様とストロークの連なりは、むしろ光や時間といった自然の要素を画面内に招きいれ、田園風景やランドアートを想起させます。
鉱物を敷きつめたマチエールを「大地」と見なすなら、彼女の制作は、自然に応答する農業の営みに接続されます。そこにあるのは、閉塞的な自律した平面ではなく、鉱物や紙といった事物的な要求への応答であり、世界と地続きに拡がっていく遠心的な開放性なのではないでしょうか。

精神病理学者・木村敏は、世界や自然から一定の距離をとる客観的な合理的世界観に対し、主観と客観を分けない「こと（出来事）」が立ち現れてくる世界観を説きます。(2)田中が自らに課すルールもまた、近代的な自我の呪縛を排し、自己を有機的に生成される出来事につなぎ止めます。そうして生成変化する絵画は、ただ世界と共に「成っていくこと」のあり様を、視覚的かつ実践的な応答として社会に提示します。そこでは未来への洞察や過去の追想ではなく、その瞬間に立ち現れる「世界の新たなこと」が、私たちを待ち受けているのです。


1）ロザリンド・E・クラウス『オリジナリティと反復』リブロポート、1994.1、p.18
2）木村敏『時間と自己』中央公論新社、1982.11、p.13



Event
田中藍衣 × アダム・タカハシ(哲学史家) トークイベント
日時：2026年2月28日 16:00〜17:30　　
会場：SUCHSIZE
料金：入場無料　
※先着15名様は椅子席あり（予約不要）

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主催：SUCHSIZE
助成：大阪市
設営：霜野 真瑛
翻訳：和田太洋、Mary Lou DAVID
テキスト：檜山 真有　(敬称略、順不同)



AI TANAKA| 田中藍衣 (b.1992, Aichi, Japan)
愛知県立芸術大学大学院油画・版画領域修了。図示と描画といった似て非なる表現の行き来によって立ち現れるイメージを扱い、自他・制約・実践の関係に視点を向けた絵画を制作している。
近年の主な展覧会は、個展「フロウモーション」2025年（Second 2. / 東京）、個展「共有地」2025年（愛知県立芸術大学サテライトギャラリーSA•KURA / 愛知）、グループ展「霧界 / Unbound」2024年（旧落石無線送信局 / 北海道）、個展「リバース ストリング」2024年（越後妻有里山現代美術館MonET / 新潟）、「VOCA展2023 現代美術の展望ー新しい平面の作家たち」2023年（上野の森美術館 / 東京）などがある。
https://www.ai-ta-na-ka.com/






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The Winter 2026 Exhibition features Ai Tanaka, an artist who works with Japanese mineral pigments—crystals embodying tens of thousands of years of geological time—and evolves her painting technique through a system of unique rules. In this exhibition, we present her "continuous response" accumulated on the canvas through each brushstroke’s inquiry into the material, interpreting it not merely as a formal style, but as a deep conversation with both natural laws and social structures. We hope that through "the ways of the world and self" manifested in her work, this exhibition offers a profound opportunity to contemplate our own way of being.


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Japanese mineral pigments are the product of geological time, formed over tens of thousands of years. Ai Tanaka, the featured artist, brings "the ways of the world and self”(1) to the canvas by evolving her technique through unique rules that respond to the inherent nature of these pigments. We invite viewers to look beyond mere style and contemplate our way of being, interpreting Tanaka’s continuous response to the materials on her canvas as a deep conversation with both natural laws and social structures.

The dialogue between Tanaka and her pigments develops through a simple process: adjusting the size of the mineral particles for color blending, establishing the grid field, and then the final act of painting. Because of the weight of the mineral particles, the canvas must be laid flat during the process. This physical limitation prompts Tanaka to adopt a "middle voice" approach—a mode of gesture in which she simultaneously interferes with and accepts material limitations by placing and connecting the pigments, rather than engaging with a purely active nature of painting. Interestingly, this approach resonates with the receptive aesthetics of Nihonga (Japanese-style painting). Unlike oil painting, where the artist depicts a light source within the composition, Nihonga establishes colors through each particle of mineral pigment receiving and reflecting the actual light of the environment.

Just as the gray tones in Knot are composed of a collection of red, blue, yellow, orange, black, and white particles when viewed up close, Tanaka chooses not to apply them as separate points of color, as in pointillism, but instead focuses on blending them. For her, this specific characteristic of mineral pigments—where each particle retains its distinct color even after mixing—serves as a metaphor for natural and social structures, where the integrity of the whole is established while respecting the individual elements.

The light casting across the pigment particles shifts moment by moment, imbuing Tanaka’s Shift with a vitality that makes it appear as if “the soil itself is breathing.” The modernist grid, as articulated by art critic Rosalind Krauss, establishes a flat surface of artistic autonomy, distancing itself from nature and the physical world. (2) In contrast, Tanaka’s grid patterns and sequential strokes invite natural elements such as light and temporality onto the canvas, evoking rural landscapes, or land art that engages with the earth. When we interpret the material texture of Nihonga, laden with minerals, as a form of "land," we recognize the continuity between her practice and agriculture—a discipline that responds to the dictates of nature. Here, an openness is found, seamlessly expanding into the physical world, answering to the material requirements of the minerals and their supports, rather than remaining an enclosed, autonomous flat surface.

This resonates with the worldview Bin Kimura—a psychopathologist—describes, where phenomena arise prior to the distinction between the subjective and the objective, as opposed to the rational and objective point of view that distances itself from nature and the world. (3) The rules Tanaka imposes on herself connect her to occurrences generated organically, freeing her from the modern idea of ego. Such ever-shifting paintings, as a visual and practical response, present to society a way of simply “becoming” with the world. There, what awaits us is the novelty of experiencing the world as it unfolds in the moment, free from assumptions about the future or memories of the past.


1）All quotes are taken from an interview with the artist Ai Tanaka conducted by SUCHSIZE.
2）Krauss, R. E. (1985). The Originality of the Avant-garde and Other Modernist Myths. MIT Press, p.9.
3）Kimura, B. (1982). Jikan To Jiko [Time and the self]. Chuo Koron Shinsha, p.13.



Event
Ai Tanaka × Adam Takahashi(Historian of Philosophy) Talk Event
Date: 28 February 2026
Time: 4:00–5:30 PM
Venue: SUCHSIZE
Admission: Free
*Seating available for the first 15 guests (no reservation required)


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Organizer：SUCHSIZE　
Supported by：City of Osaka
Construction：Shinei Shimono
Translation：Taiyo Wada, Mary Lou DAVID
Text：Maaru Hiyama



AI TANAKA| 田中藍衣 (b.1992, Aichi, Japan)
Born in 1992 in Aichi, Japan. She received her M.F.A. from Aichi University of the Arts. Her work explores images that emerge through a recursive movement between illustration and drawing—modes of expression she views as similar yet fundamentally distinct. In her practice, she foregrounds the complex relationship between constraint, practice, and the dynamics of self and other. Recent exhibitions include ‘Flow Motion’ at Second 2., Tokyo (2025), ‘Communal Ground’ at Aichil University of the Arts Satellite Gallery SA•KURA, Aichi (2025), ‘Mist World / Unbound’ at the Former Ochiishi Radio Station, Hokkaido (2024), ‘Reverse String’ at Echigo-Tsumari Satoyama Museum of Contemporary Art MonET, Niigata (2024), and ‘VOCA 2023: The Vision of Contemporary Art - Emerging Artists in Flat Works’ at Ueno Royal Museum, Tokyo (2023).
https://www.ai-ta-na-ka.com/