ホアム美術館の「アート・スペクトラム」展ではSIDE COREの空間的な作品に注目し、第16回光州ビエンナーレでは同じ作家を複数セクションに配置する構成や街に点在するパビリオンに着目。釜山ビエンナーレ2026では、音や声、海などを主題とする作品の充実ぶりを確認。帰国日にはソ・ドホの回顧展を訪れ、建築や記憶をめぐる作品の魅力を再発見。6月に続いて今年2度目の訪韓となった五十嵐太郎さんが、ソウル、光州、釜山をめぐり、韓国現代アートの活況をレポートします。（artscape編集部）
サムスン美術館リウムからホアム美術館へ
10月の初旬にソウル、光州、釜山をまわった。6月に見たい展覧会や美術館が3つ重なり（ダミアン・ハースト展、ポンピドゥー・センター・ハンファ、「ロードムービー：1945年以降、韓日美術」展）、すでに訪れていたので、今年2度目の韓国訪問であり、やはりアートの重要な場所になっている。めずらしく現代美術を取り上げた『東京人』の2026年11月号の特集「まちとアート」において、SIDE COREのインタビューを担当した際、改めて彼らが街の特異点を巧みに発見し、それを魅力的な作品に展開させる柔軟な姿勢に感銘を受けたが、ちょうどソウル郊外のホアム美術館の「アート・スペクトラム」展に出品していると、渡航1カ月前に教えてもらった。そこでホアム美術館を訪問先に加えたのだが、姉妹館というべきサムスン美術館リウムからシャトルバスが出ているという。ホアム美術館は公共交通機関の接続があまりよくない場所に位置しているため、ソウルに到着し、まずはリウムに足を運んだ。
シャトルバスはそれほど本数が多くないので、待ち時間はリウムの館内ですごした。6月に鑑賞した「インサイド・アザー・スペース：女性芸術家による環境 1956－1976」は、いまだ開催中で、香港のM+でも見ていたので、なんと3度目になる（重要な企画だと思うが、日本に巡回の予定はない）。ク・ジョンアの「OUSSSMOS」展は、展示室だけでなく、ロビーや屋外など、あちこちで建築空間に介入するインスタレーションを展開していた。もっとも、ただオブジェが置かれているのではなく、蓄光性塗料、角砂糖、鉛筆の芯などを使い、見る側の積極的な動きを必然的に誘発する作品群である。とりわけ、造形的に興味深いのは、もうひとつ次元が高い立体メビウスのような彫刻だった。また地階では、シャネルの支援を受けて、「明日以降のIDEAミュージアム」のプログラムも展開している。そして屋外ではコミッション・ワークとして、松・竹・梅を使い、円形をモチーフとするガブリエル・オロスコ庭園が登場していた。ここは無料で誰でもくつろげる開放された場所である。
ク・ジョンア「OUSSSMOS」展より［著者撮影］
ガブリエル・オロスコ庭園［著者撮影］
さて、シャトル・バスに乗って約50分、ソウルから南下し、先端産業の企業が集まる城南市などをすぎ、ホアム（湖巌）という名称通り、湖に面した恵まれた自然環境の中に美術館がある。降りた駐車場では、いきなりSIDE COREがコレクションしたTime’sの看板群に遭遇した。伝統的な庭園を散策すると、本館にたどり着く。ホアム美術館はサムスングループの創立者、イ・ビョンチョルが、1982年にオープンしたもので、「ホアム」は彼のペンネームらしい。なお、リウム美術館が世界のスター建築家3名にデザインさせたのに対し、こちらは韓国の古建築風の外観をもち、ポストモダンというべきか。
SIDE COREがコレクションしたTime’sの看板群［著者撮影］
さて、「アート・スペクトラム」展はもともと韓国のアーティストを支援するかたちで、サムスン文化財団が2001年に開始したものだが、近年はアジアから広く作家を紹介しており、2026年にはパレ・ド・トーキョーとの共同キュレーションを試み、初めてホアム美術館を会場にしている。本館エントランスの大階段がある吹抜けでは、SIDE COREによる地下空間を疾走するスケーターの映像作品が大きなスクリーンに投影されていた。今回のラインアップは、社会性や身体性などを主題にする作品のほか、チェン・ルオファン、チェ・リア、イ・ドンヒョンなど、空間への介入を行なうタイプの作家も入っており、楽しめた。日本からは志賀理江子（2階）、横山裕一（美術館の外壁）、そして月を模して吊り下げた天蓋を屋外に設置した建築家の山田紗子も参加している。
ホアム美術館の外壁に展示された横山裕一の作品［著者撮影］
屋外に設置された山田紗子の作品［著者撮影］
繰り返し、同じ作家と遭遇する光州ビエンナーレ
ホー・ツーニェンが芸術監督を担当した第16回光州ビエンナーレのメインの展示館は、作家数を絞り、以前より全体が見やすくなったように思う。もちろん、それでも3～4時間は覚悟すべきだが。興味深いのは、波状攻撃のように、同じ作家がセクションを超えて繰り返し登場する構成である。特に画家の佐々木健の大抜擢が効果的だった。身体、ランドスケープ、コスモスなど、セクションごとにサブ・テーマは変わるのだが、彼の具象絵画からこれらに沿った作品がピックアップされ、全体を通じて案内役のように振る舞う。また会場の隅っこで歩数測定をハックするゴールディン＋セネビーの作品は、フロアを移動するごとに、ここにもいたか！というふうに何度も発見される。ほかにもニナ・カネルやイム・ドンシクは、セクションによってタイプの違った作品が展示され、そのアーティストへの理解を深めることができる。
佐々木健の展示風景［著者撮影］
終盤に再び登場する済州島の火山岩（左）、ゴールディン＋セネビー（右の床）［著者撮影］
すなわち、何名かの作家の小展示をシャッフルしながら、異なるセクションに組み込んでいるかのようなのだ。あまりに作家数が多いと、観る側がそれらを次々とインプットし、処理するのが大変になり、前のものを忘れてしまうが、こうした形式なら、反芻できるだろう。ただし、最後のセクションは作家数がわずか2名。空気で膨らむジャクリーン・キヨミ・ゴークのインスタレーションとデザイナーのイ・ルン・カンによるAIを利用したポスター群である。ちなみに、通常の巡回ルートとは逆の順番で構成されていた。印象に残った作品を挙げていく。第二セクション「身体ときずな」では、アマンダ・ヘン（シンガポール）の30年間にわたる母娘のポートレート、テーツィン・シェ（台湾）の1年あるいは13年間も継続する閉じこもりの実践、アンジェラ・ゴー（オーストラリア）が指示する指の特異な動きのパフォーマンスなど、非欧米の作家が目立つ。第三セクション「ランドスケープと学び」では、ロッセラ・ビスコッティの幻のローマ万博にまつわる彫刻、触って変形できるリジア・クラークの彫刻。光州民主化運動の版画などがある。なお、市として力を入れているのだろうが、やはり学校での集団鑑賞がひっきりなしに館を訪れていた。
アマンダ・ヘンの展示風景［著者撮影］
ジャクリーン・キヨミ・ゴークの展示風景［著者撮影］
パビリオンは光州歴史民俗博物館（ブラジル）、光州市立美術館（モンゴル）、喜慶樓（グリーンランド）、ウィルソン宣教師宅（オランダ）、ホランガシナム・アートポリゴン（マルタ）、いくつかのギャラリーなど、街に点在しているが、それほど広域ではなく、いくつかのエリアに集中しているので、二日あれば、おおむね鑑賞できるだろう。印象に残った展示を挙げておく。
約90年の歴史をもつ映画館、光州劇場は普通に運営されながら、IVAEパビリオンとしても使われていた。青野文昭の人型シリーズは、ホワイトキューブよりも記憶と人の影がある古びた空間がよく似合う。劇場ではロビーやトイレなどにおいて、ほかに4人のアーティストが参加し、監視や検閲された言葉、北朝鮮の映画を題材にした作品も展示されていた。GMAPにおけるユネスコ・クリエイティブ・シティ・ネットワークは、市原えつこによる「ディストピア・ランド」を含む、デジタル系メディアアートを紹介する。デンマーク館が入る、1971年に建設された光州市民会館は、大胆なリノベーションだった。正面のファサードは普通だが、中に入るとフレームだけが残され、かつてホールだった空間構成に思いをはせることができる。
光州劇場における青野文昭の展示風景［著者撮影］
市原えつこ「ディストピア・ランド」［著者撮影］
スケルトンになった光州市民会館／デンマーク館［著者撮影］
フィリピン館は、民主化運動の5.18アーカイブスの建物内を会場とし、それと連動するかのように、政治・社会性が強い作品が選ばれている。国立アジア文化センターは巨大な施設のため、やや見つけにくいところに「台湾館」が入っていた（この名称が原因で今回、中国は光州ビエンナーレから展示を引きあげた。なお、マップでは国立台湾美術館の略称、NTMoFAと表記）。作品は戦争・軍事（核兵器の研究所や追跡・監視など）にまつわるものが目を引く。
今回も滞在時期が光州思い出の忠壮祭りのタイミングにぶつかり、数日にわたり、5.18民主広場とここに通じる目抜通りは車両の乗り入れ禁止となり、昼から夜遅くまで祝祭ムード一色だった。かつて民衆が集まった空間の記憶が継承されているのだろう。
釜山ビエンナーレとソ・ドホの回顧展
おそらく、タイミングを合わせているのであろう釜山ビエンナーレ2026は、1日かけてまわった。まずはメイン会場の釜山現代美術館を訪れた。全体テーマが「不協和（反体制）のコーラス」となっているように、音、声、音楽に関する作品が多い。例えば、メカニカルな合唱隊を制作したリュ・ソンシル、政治的な歌とポップ・アイコンを組み合わせるタナット・ティーラダコーン、記譜法から着想を得るカン・ソギョン、リズムの絵画化を行なうララ・ルーク、アリラン楽団を撮影するイ・ドングンなどである。ちなみに、光州ビエンナーレ2024のテーマも「パンソリ（韓国の伝統的な音楽劇）」だったが、それ以上に統一感をもつ。また会場デザインには、サークル（円形）を多用していた。なお、日本からはダンサーを撮影した石原海の映像インスタレーションが出品されている。
リュ・ソンシルの展示風景［著者撮影］
イ・ドングンの展示風景［著者撮影］
今回のビエンナーレは別会場が離れているのと、公共交通機関も複数回の乗り換えが必要となるため、シャトルバスの存在に助けられた。海辺の倉庫を用いたSpace OneZは、釜山らしい港の風景が眺められる場所であり、対岸には工事が再開されたスノヘッタによるオペラハウスも見える。ここでは音だけでなく、場所にちなみ、海もテーマになる作品が紹介されていた。例えば、多言語で海について歌う声を複数のスピーカーから流すブラヒム・タルや、釜山の海中で録音した音をもとにしたジョタ・モンバサのサウンド・インスタレーションなど。また美術館で展示されていた元航海士のジョアール・ソンクヤによる海の絵に再会した。続いて、多くの船を見ながら、海辺の坂道をシャトルバスに乗って移動し、第3の会場、旧・釜山南高校に向かう。日本よりも深刻な少子化ゆえか、韓国でも学校の教室やグラウンドがアートの展示に使われている。ここでは軍歌「海行かば」を引用するペク・ヒョンジュ、椅子を魔改造したジャンツァンホロル・エルデネバヤル、机の上で女性や子供を抑圧するシステムを問いかけるファティマ・カリーム・カーン、韓国のプロテスト・ソングのアーカイブなどが紹介されていた。
Space OneZの対岸に建設中のオペラハウスが見える［著者撮影］
旧・釜山南高校［著者撮影］
帰国日は、国立現代美術館ソウルで開催されたソ・ドホの大規模な回顧展を鑑賞した。まったく知らなかった最初期の絵画や写真から、韓紙、半透明の布、糸などを用いて建築を再現する代表的なインスタレーション、膨大な数の小さい人形を使う作品、そして衣服やポケットに注目する近作や映像まで、いくつかのタイプの作品が展開されているが、家や記憶などがテーマになっており、親しみやすい。スケッチなどを確認しても、彼が建築に強い関心を抱いていることがうかがえる。建築の表象という点から、いろいろと示唆を与えてくれる作品群だが、そうした理屈を抜きにしても、大勢の来場者で賑わい、大人から子供までが楽しんでいた。おそらく、来年の東京都現代美術館での彼の展覧会も話題になるだろう。なお、同時開催されていた「今年の作家賞 2026」展では、4名のアーティストが選定されていたが、大きな吹抜けに斜めにかけた作品や鑑賞を困難にする円環状の絵など、特にチョン・ヒョンソンの体験を伴う実験的な絵画の形式や構造に大きな可能性を感じた。
ソ・ドホの展示風景［著者撮影］
ソ・ドホの展示風景［著者撮影］
ソ・ドホ「ブリッジ・プロジェクト」より［著者撮影］
チョン・ヒョンソンの展示風景［著者撮影］
