artscapeレビュー

会期：2014/07/24～2014/09/21

三井記念美術館［東京都］

三井記念美術館では毎年夏に「美術の遊びとこころ」をテーマに所蔵品を中心とした古美術入門の展覧会を催している。今年は、旧金剛宗家伝来および橋岡一路氏寄贈の能面（展示室1・2・5）と、三井家伝来の能装束（展示室4）、そして三越伊勢丹が所蔵する歌舞伎衣裳（展示室7）が取り上げられている。展示室5では、似た名前、姿の能面を並べて展示し、その造作の違いと演じられる役柄の違いを対比する。目や口、髭の造作、髪の毛の描き方、顔の表情の違いが解説されており、とてもわかりやすい。特別展示の歌舞伎衣裳も興味深い。三越は明治40年から昭和27年まで歌舞伎公演のための貸衣装事業を行なっており、昭和初期の歌舞伎衣裳多数が保存されているという。それらのなかから往時の人気役者が着用した13点が舞台写真とともに展示されている。舞台衣裳は離れたところから見て効果的なものだと思っていたが、間近で見ても溜息が出るほど美しくつくられている。さらに本展の展示方法で特筆すべきは展示室1である。入ってすぐの展示室1はいつも印象的な空間だが、本展でも期待を裏切らない。透明なアクリル板に固定された能面の数々が独立ケースに配され、面が宙に浮いているかのように見える。「能面のような」とは表情に欠けることの例えであるが、さまざまな角度から見ることができる展示方法と効果的な照明で、じっさいには面の表情がとても豊かであることがわかる。ケースの反対側に回れば作者名や制作年代などが書かれた面の裏側も同時に見ることができるのもいい。［新川徳彦］

展示室1展示風景

2014/07/23（水）（SYNK）

会期：2014/07/13～2014/07/19

瑞玉ギャラリー［東京都］

ストライプ模様の花瓶や壺、幾何学模様で埋め尽くされたポットやカップ＆ソーサー。坂本素行氏の作品を知ったのはLIXILギャラリー★1であったが、最初に作品を見たときは上絵かプリントなのかと思った。しかし絵付にしては非常にシャープなライン。これがすべて象嵌だと知って驚くと同時に納得した。象嵌技法自体は漆工や金工でよく見られるし、陶磁器においても絵付の一技法としてある。しかし器の表面すべてを異なる色土で象嵌する作品は稀ではないか。坂本氏はこれを部分的な絵付として用いられる通常の象嵌と区別して「INLAY」と呼ぶことにしたという。轆轤で挽いたボディに文様を罫描きして、輪郭にナイフを入れ、薄く表面を削って色土で埋める。絵付では不可能なシャープなラインはこうして生まれる。1色を埋めたらまた別の場所を削り、異なる色土で埋める。この繰り返しによって表面はすべて最初に轆轤で挽いた土と別の色土による文様で覆われる。時間がかかる工程なので、途中で土が乾いてしまわないように、霧吹きで水を吹いたり、部分的にラップで覆いつつ作業するという。
　坂本素行氏の経歴が興味深い。元々は日産のカーデザイナー。ある展覧会で象嵌青磁に出会って関心を持ち、独学で陶芸を始め、1980年、30歳のときに陶芸家として独立。その後、灰釉陶器などの技法を研究し、近年になってふたたび象嵌に回帰したという。今回出品されている作品は器のかたちも色彩も西洋的である。それは見た目だけではない。ゲージをあてて罫描きし、ナイフで削って土を埋めてゆくという工程もまた西洋的であり、土や手の痕跡を良しとする日本の陶芸とは異なる美意識の作品だ。デザイナー出身であること、陶芸を独学したことが、独自のスタイルの背景にあると思われる。［新川徳彦］

★1──「坂本素行 展──造り込んだもの」（LIXILギャラリー、2014年4月24日～6月7日）

展示風景

2014/07/18（金）（SYNK）

会期：2014/06/20～2014/08/24

東京国立近代美術館［東京都］

台湾のヤゲオ財団が保有する現代美術のコレクションから選ばれた、フランシス・ベーコン、ザオ・ウーキー、アンディ・ウォーホル、ゲルハルト・リヒター、杉本博司、蔡國強、ロン・ミュエク、ピーター・ドイグ、マーク・クインらの作品74点による展覧会。1999年にヤゲオ財団を創設したピエール・チェン（Pierre T.M. Chen、陳泰銘）氏は、チップ抵抗やコンデンサを製造する台湾の受動部品メーカー、ヤゲオ・コーポレーションの創業者であり会長である（ちなみに社名の中国語表記「國巨」は「抵抗器」の意）。『ARTnews』誌で2012年、2013年と世界のトップアートコレクター10人のひとりに挙げられているチェン氏は、大学生のころにコンピュータのプログラミングで稼いだお金で作品を買い始めたという生粋のアートファン。本格的な蒐集を始めてから25年のうちに世界でも有数のコレクターになった。蒐集の対象は最初は台湾、中国出身のアーティストの作品から始まり、近年は西欧の作品へと拡大しているという。チェン氏にとって作品の購入は投資ではなく、アートともに暮らす生活を実践している。展覧会会場や図録では作品が飾られたチェン氏の自宅、ゲストハウス、オフィスの写真を見ることができる（バスルームにまで作品がある！）。具象的なモチーフの作品が多いコレクションは、美術評論家やギャラリストのアドバイスに依らず、自分自身で判断して購入しているという。それぞれのアーティストの代表作といえるすばらしい作品が集まっているが、美術史的な意味で系統立った蒐集品ではない。そのような個人コレクションを美術館の展覧会でどのように見せるのか。
　もちろんコレクション展自体は珍しいものではない。国別、作家別、時代別、様式別、モチーフ別……。切り口はさまざまに考えられよう。本展でも「ミューズ」「崇高」「記憶」「新しい美」といった10のキーワードを切り口として74点の作品を分けて展示している。しかし、それだけではなく、もうひとつの切り口が設定されている。それはこの20年ほどのあいだに大きく変化してきたアート・マーケットの問題である。かつて絵画はおもにギャラリーと個々のコレクターとのあいだで行なわれるクローズドな環境で取引されてきた。しかし、近年取引の場として重要になってきたのがオークションである。しばしば高額な落札額がニュースにもなるように、美術品の価格形成のありかたや、コレクターのタイプが変化しているのである。とくに中国の新興アート・マーケットではその傾向が顕著である。チェン氏が投機的な目的で美術品を購入しているわけではないとはいえ、この25年ほどのあいだに蒐集されたコレクションが、変化しつつある市場環境のもとで形成されたことは間違いない。そして市場の変化によってもたらされた問題のひとつが、作品の落札価格と美術上の価値の乖離である。一般的に市場に流通する作品が稀少であればオークションでの価格は上昇する。それは美術上の価値とは別の話である。しかしいったん価格が示されると、それ自体が作品の評価の基準になりかねないという現実がある。美術館の展示に値札は付いていないので普段来館者が作品の価格を意識することは少ないかも知れないが、現代アートの価格と価値の差、市場の変化が価値のあり方に影響を与えていることを、コレクションの実例を通じて示しているのである（展示パネルでは上に美術上の解説、下に経済的価値についての解説が書かれているほか、50億円の予算でアートを集めるというゲームが用意されている）。
　展示ではさらにもうひとつの問題提起がなされている。それは美術館とコレクターとの関係である。元来美術館は作品の価値をつくる場でもある。それは歴史的な位置づけを与えるというばかりではなく、美術館で個展が開かれる、あるいは美術館に購入されるという事実が作品の価格形成に大きな影響を与えてきた。しかし、いまや価格形成の主導権を握るのは市場である。高騰する価格と迅速な判断が求められる場で、莫大な資金を持ったコレクターに対抗して公的な美術館がそこに参加することはとても難しい。ならば美術館にはなにができるのか。本展の企画者である保坂健二朗・東京国立近代美術館主任研究員はいくつかの可能性を示している。ひとつは美術館とコレクターの役割の分担である。公的な美術館が蒐集できる作品と個人が求める作品には違いがある。あるいは政治的、倫理的に公的美術館では購入が難しいものがあるが、コレクターは自身の好みに従って作品を選ぶことができる。しかし美術館とコレクターが協力し合えば、企画展というかたちで互いのコレクションを補完し合うことができる。価値を作り出す場としても美術館はいまだに重要である。美術館は新しいアーティストの発表の場であり続けるし、作品を異なる作品と組み合わせたり、新しい文脈を示すことで、新たな価値をつくり出すことができる。人々に開かれた美術館は日常とアートとを結びつけることで、新たな愛好者を育てる場でもある。新たな愛好者の一部はやがてアーティストになり、あるいはコレクターになり、次の世代のアートワールドのプレーヤーになるうる。そのような課題の存在を踏まえると、この展覧会自体、現代のアートワールドが抱えている問題の提示と、コレクターと美術館との新しい関係を考えるひとつの 試みであることがわかる。
　本展の広告クリエイティブは山形孝将氏と川和田将宏氏が担当。ポスターやチラシに用いられた金色に輝くマーク・クイン《ミニチュアのヴィーナス》（2008）のヴィジュアルと周囲のキラキラが強烈な印象を与える。美術館前庭には同じくクインの《神話〈スフィンクス〉》（2006）が配置され、ヨガのポーズをとるケイト・モスは本展のシンボルだ。これに対して林琢真氏によるデザインの図録は非常に落ち着いたイメージ。パール印刷されたカバーにはチェン氏のモダンなオフィスの写真。中は布張りのハードカバーで高級感がある。チェン氏のコレクション全体のイメージは図録の雰囲気に近いのだが、保坂主任研究員のキュレーションは広報デザインのほう。ふたつのデザインは意識して分けたという。すなわちこのデザインの二重性にもコレクターと美術館の関係が示されているといえるかもしれない。［新川徳彦］

図録表紙

2014/07/15（火）（SYNK）

会期：2014/06/13～2014/09/30

千總ギャラリー［京都府］

友禅はグラフィカルである。そのことを確信した展覧会だった。2005年、京友禅の老舗、株式会社千總は創業450年を記念して現代アーティストやファッション・デザイナーとのコラボレーションを企画した。本展は、世界7カ国から30名余りのアーティストを迎え四つのプロジェクトのもとで行なわれたその企画を、10年後のいま、あらためて振り返る展覧会である。会場は、軸装、額装された数々のテキスタイルと、きもの、サーフボードで構成されている。
参加アーティストはじつに多彩。ルイ・ヴィトンとのコラボレーションで知られる村上隆、ヒステリック・グラマーのデザイナーの北村信彦、海外のファッション誌にも数多く起用されてきたイラストレーターのEd TSUWAKI（エドツワキ）、A BATHING APE®の創設者のNIGO®（ニゴー）など、ファッションの世界で「時の人」として注目されてきた人ばかりである。北野武監督作品『Dolls』（2002）の衣裳でも千總と製作協力していた、ファッション・デザイナーの山本耀司はすでに別格であろう。さらに、FUTURA2000（フューチュラ2000）やSHAG （シャグ）、KAWS（カウス）など、海外で活躍するイラストレーターやグラフィティ・アーティストたちが加わる。その多くは、サブウェイ・グラフィティやストリート・グラフィティ、インディーズレコード・レーベルのディレクションなど、いわゆるサブカルチャーの出身である。ファッションブランドやスポーツブランドとのコラボレーションといった社会的認知度の高さを示す経歴の持ち主ばかりとはいえ、京友禅とは対極的な存在といえよう。人選だけ見ても、この企画にかけた千總の意気込みが感じられる。友禅の視覚表現としての可能性はきものという媒体にとどまるものではないという主張がはっきりと伝わってくる。10年後の総括を経て、千總の今後の展開に期待したい。［平光睦子］

2014/07/15（火）（SYNK）

会期：2014/06/28～2014/09/15

熊本市現代美術館［熊本県］

久しぶりに熊本へ。おそらく震災がなければ、もっと早く訪れていたはずの熊本駅前のプロジェクト群を見学した。佐藤光彦による用途に応じて大小様々な開口を空けた壁を折り曲げて囲む《西口駅前広場》、西沢立衛の大きなしゃもじのような大屋根がある《東口駅前広場》、クライン・ダイサム・アーキテクツのカラフルでかわいらしい《熊本南警察署熊本駅交番》、デザインヌーブの《白川橋左岸緑地トイレ》、田中智之らによる駅周辺のサインやデザインなど。2011年3月の九州新幹線の全線開通にあわせて、すごい密度感でこれらのプロジェクトがそろった。くまもとアートポリスの制度を使いながら、どこにもないユニークな駅周辺の景観が生まれている。また熊本市現代美術館では、「水戸岡鋭治からのプレゼント まちと人を幸福にするデザイン」展をちょうど開催しており、のぞくと、JR九州関係のプロジェクトが目白押しだ。他地域と違う、JR九州の攻めの姿勢を感じる。展示は、会場内にカフェ、ショップ、子供が乗るミニトレイルもあり、楽しげな雰囲気だった。

佐藤光彦《熊本駅西口駅前広場》

西沢立衛《熊本駅東口駅前広場》

クライン・ダイサム・アーキテクツ《熊本南警察署熊本駅交番》

デザインヌーブ《白川橋左岸緑地トイレ》

田中智之《駅周辺のサイン、デザイン》

2014/07/13（日）（五十嵐太郎）