artscapeレビュー

会期：2022/12/09～2023/01/31

ギンザ・グラフィック・ギャラリー［東京都］

竹久夢二といい、中原淳一といい、少女が憧れた“少女像”を描いた画家らはいずれも男性だった。宇野亞喜良もその流れを汲むイラストレーターなのかもしれない。現に宇野は子供の頃、自分の妹が購読していた中原淳一創刊の少女雑誌『それいゆ』の挿絵にとても憧れたと語っている。現代はジェンダーレスが叫ばれる時代のため、こんな観点は的外れなのかもしれないが、男性でも女性的な趣味や傾向、性格を併せ持つ人は結構いる。宇野は明らかにそのパターンだ。かつて私は本人にインタビューする機会があったのだが、非常に物腰の柔らかい紳士という印象だった。決してギラギラとした面がないのだ。「女性的なある感覚が自分のなかにあるのかもしれない」とその際、本人も語っていたように、かわいらしさや妖艶さ、耽美な雰囲気を漂わせる宇野が生み出した少女像は、本当に少女の視点を持って描かれているように思える。しかも昨年、宇野は米寿（88歳）を迎えたというから驚きだ。生涯にわたって独自の少女像を描き続ける、そのパワーに感心してやまない。

展示風景　ギンザ・グラフィック・ギャラリー1階［写真：藤塚光政（提供：ギンザ・グラフィック・ギャラリー）］

さて、本展では最新の作品集『宇野亞喜良 Kaleidoscope』からピックアップされた原画をはじめ、俳句と少女をテーマにした作品シリーズ約20点が会場に並んだ。しかも1点1点を異なる特殊印刷で仕上げた面白い試みだった。新聞紙にシルクスクリーン印刷をした作品や、透明ビーズを付着させてモザイク画のような視覚効果を狙った作品、ラメ加工を施した作品、はたまた菓子の包み紙のようなホイルペーパーにシルクスクリーン印刷をした作品などどれも非常に凝っており、それは印刷実験の展覧会でもあった。その技巧を凝らした絵の中で、少女たちは相変わらずアンニュイな眼差しでこちらを見つめる。タイトルの「万華鏡」とはよく言ったもので、さまざまな姿へと七変化を見せる少女たちではあるが、決して間近に触れることはできない孤高さを持ち合わせているようにも見える。まだ東京では初雪を見ないが、できれば雪の降る日にもう一度眺めたくなる作品群だった。

展示風景　ギンザ・グラフィック・ギャラリー1階［写真：藤塚光政（提供：ギンザ・グラフィック・ギャラリー）］

公式サイト：https://www.dnpfcp.jp/gallery/ggg/jp/00000813

2022/12/14（水）（杉江あこ）

会期：2022/11/15～2023/01/15

渋谷区立松濤美術館［東京都］

ビーズというと、それまでガラスやプラスチックの玉をつないだアクセサリーというイメージしか持っていなかった。どちらかと言えば、個人的にはそれほど興味のあるものではなかったのだが、本展を観てそのイメージがガラリと変わった。本展ではビーズを「さまざまな部材に穴を開け、それらをつないだもの」と定義する。さまざまな部材とはガラスやプラスチックのみならず、世界を見渡せば植物や貝、石、鳥の羽根、卵殻、動物の歯、骨、鱗と実に多様だ。なんと12万年前から世界各地で人類はビーズをつくってきたのだという。女性がおしゃれのために身につけるアクセサリーという概念はほんの一部に過ぎなかった。もっとプリミティブで、土着的で、民族的な装身具だったのだ。そんな新たな概念のもとで展示を眺めると、それぞれがとても興味深く映った。

展示風景　渋谷区立松濤美術館B1F

人類史を調べると、12万年前は温暖化によりネアンデルタール人が急増したとされる中期旧石器時代に当たる。彼らは洞窟に住み、石器や弓矢を使用して狩猟生活を送っていたのが特徴だが、注目したいのは埋葬を始めたという点だ。つまり祈祷や魔除けなどの呪術的な儀式にビーズを用いてきた可能性が高い。もちろん、それだけではない。自身の身分やアイデンティティを表現するために衣服や身体にビーズをあしらってきたのだという。

その多様な素材でできたビーズ群はなんとも迫力があった。貝や石、鳥の羽根などは鮮やかで見栄えがするが、動物の歯や骨、鱗などはややグロテスクでもある。だからこそ強烈な強さがあり、それを生んだ人々のたくましさが伝わった。

そもそもなぜ先史から世界のあちこちで人類はビーズをつくってきたのだろうか。それが衣服や装身具の一部であったことは理解できたが、細かいパーツに穴を開けて糸状のものを通してつなぐ行為をわざわざしてきたところが面白い。そこには何かつくらざるを得ない純粋な創作欲求を感じてならない。シンプルな構造で、身近にあるどんな物でもできるからこそ、創作の自由度が高く、人々の心を捉えたのかもしれない。本展では最後に現代作家のビーズ作品が紹介されており、なおそれを強く感じた。人々のビーズ創作への熱はこの先も冷めることはないのだろう。

公式サイト：https://shoto-museum.jp/exhibitions/198beads/

2022/12/13（火）（杉江あこ）

会期：2022/11/10～2022/11/27

ヒルサイドフォーラム［東京都］

ビニール素材でできた「フラワーベース」、ミラー加工を施したカップにソーサーの柄が映り込む、トリックアートのような「ミラーカップ＆ソーサー」など、プロダクトブランドD-BROS／DRAFTには、ちょっとした仕掛けが楽しい商品がそろっている。DRAFTに所属しアートディレクションの仕事をしていた頃から、このD-BROS専属デザイナーとして活躍していた植原亮輔、渡邉良重が立ち上げた会社、KIGIが今年で10周年を迎えた。これはその10年の活動を振り返る展覧会だ。

本展を観て痛感したのは、彼らはデザイナーあるいはアートディレクターとしての職能を十分に発揮する一方で、自身の作家性を非常に大事にするタイプではないかという点だ。特に展覧会の場では、それが引き立って見えた。その作家性とは、強いて言うなら子どもの頃にお絵描きや切り絵、工作、手芸などを経験してワクワクしたときのような純粋さである。大人になってもそんな純粋さを創作の核として持ち続けているからこそ、上記で挙げたようなありそうでなかった楽しい商品が生まれるのではないか。

展示風景　ヒルサイドフォーラム

そのためか、本展では彼らの個人的な作品にとても目が引かれた。例えば「時間の標本 #002」では、壮大な時間をかけて結晶化した色鮮やかな鉱物一つひとつを瓶に閉じ込めるという試みをしていた。地球の創造を担った鉱物に、長い時間の経過を見出したのだ。また植原による写真作品も興味深かった。北海道や沖縄の海辺などを写した風景写真なのだが、画角の真ん中に鏡を置き、自分の背面の視野の外にある景色をあえて写り込ませるという趣向を凝らしていた。何ということはない風景の中に、部分的に異次元ポケットのような違和感をつくり出し、見る者を引きつける。 そうした日々のちょっとした気づきや実験を形にする行為は、彼らのなかで創作の種となり、いつかどこかのタイミングで芽が出て花が開き、仕事に生かされるのだろう。言わば、その種や芽、花を見せてもらったような展覧会でもあった。しかし私も経験上わかるが、どの仕事もスムーズにうまく運ぶわけではない。成功の影にはいくつもの失敗があるし、クライアントワークにはさまざまなストレスやトラブルがある。本展でキラキラと輝く彼らの仕事や作品を眺めながら、同時に目に見えない苦労も感じ取った。

展示風景　ヒルサイドフォーラム

公式サイト：http://ki-gi.com/aig2022/

2022/11/25（金）（杉江あこ）

会期：2022/11/26～2023/01/29

Bunkamura ザ・ミュージアム［東京都］

マリー・クワントと聞いて思い浮かぶのは、あのデイジーマークだ。本物の花のデイジーは花びらがもっとたくさんあるのだが、デイジーマークは5弁に簡略化され、基本的に黒1色使いで、潔く抽象化されている。それがマークとしてのインパクトやブランドの強さへとつながっている。もしかするとアップルのリンゴマークやナイキのスウッシュマークにも匹敵するほど、全世界に知られたブランドマークではないか。そうしたブランディングの観点から見ても、マリー・クワントは優れたファッションブランドではないかと思える。

そんなマリー・クワントの日本初の回顧展が始まった。日本にマリー・クワントが上陸したのは1971年、コスメラインだったことから、確かに日本では化粧品のイメージが強い。しかし本展で紹介するのは、それ以前のブランドの歩みやマリー本人のキャラクターである。それらを観れば観るほど、マリーに惹かれ、共感し、また感心することが多々あった。まず、マリーがロンドンのチェルシー地区に若者向けのブティック「バザー」を開店したのが1955年。後々に語り種となる、若者たちのストリートカルチャーが花開いた「スウィンギング・ロンドン」時代の到来である。まだ25歳だったマリーが自分と同世代の若者をターゲットにしたこのブティックは、これまでの既成概念にはない形態だったからこそ大人気を得た。

展示風景　Bunkamura ザ・ミュージアム

《マリー・クワントと、夫でビジネスパートナーのアレキサンダー・プランケット・グリーン》（1960）Courtesy of Terence Pepper Collection. © John Cowan Archive

もちろん世界を見渡せば、時代や規模は異なるが、それは東京の原宿などでも見られる現象ではないかと思う。特にファッションや音楽などに関しては、若者がムーブメントを大きく動かす力を持っている。しかしマリーが並外れていたのはその感性だけではなかった。夫となるアレキサンダー・プランケット・グリーンや、友人で実業家のアーチー・マクネアをブレーンに抱え、彼らのサポートによってビジネスとしても大成功を収めたからだ。大量消費時代の波にうまく乗れたことも大きいのだろう。デザインとビジネスを両輪にしてグローバルブランドへと成長する。もちろん、どちらかが欠けても弱くても成り立たない。マリー・クワントはまさに理想的なブランドストーリーを歩んだのだ。本展を観た後、デイジーマークを改めて眺めると、ミニスカートをはじめ、若い女性のために等身大のデザインを発信するというマリーの情熱が確かにそこに表われているように感じた。

展示風景　Bunkamura ザ・ミュージアム

公式サイト：https://www.bunkamura.co.jp/museum/exhibition/22_maryquant/

2022/11/25（金）（杉江あこ）

会期：2022/11/05～2023/01/15

SOMPO美術館［東京都］

本展は、貿易大国として世界的に発展した大航海時代のイギリスの歴史や文化にスポットを当てた展覧会である。ご存知のとおり、15〜17世紀にかけ、ヨーロッパ諸国がアフリカやアジア、アメリカ大陸へこぞって進出した大航海時代は、ヨーロッパ帝国主義のきっかけとなり、またグローバル化の始まりにもなった。寒冷で、痩せたヨーロッパの土地に自生する植物は限られていたことから、温暖で、肥沃な“新大陸”の土地で採れる種々様々な珍しい植物は、ヨーロッパ人にはさぞ魅力的に映ったのだろう。プラント・ハンターたちが持ち帰ったこれらの植物により、彼らの食卓は一気に華やぎ、食文化も発展した。

展示風景　SOMPO美術館

例えばチョコレートはその最たる象徴だ。飲料としてのカカオは、もともと、原産地の中米諸国でも愛飲されていたようだが、固形のチョコレートが生まれたのはカカオがヨーロッパへ渡ってからのことである。しかも寒冷のヨーロッパでなければ生まれ得なかったという二律背反性がある。そんな激動の世界史を背景にして本展を観ると、実に感慨深い。

当然、ヨーロッパ人にとって、初めて見る植物にはどんな花が咲き、どんな実がなり、どの部分を食用にできて、どのように調理や加工をすればいいのか、皆目見当がつかなかったのだろう。味の良さや効能だけでなく、下手したら毒の危険性もあるかもしれない。そのため必須だったのが植物の科学的研究である。研究を目的として緻密に描かれたボタニカル・アートは、植物図鑑を見るようで興味深く、どれも生き生きと描かれているため、いまなお魅了される。それは植物が持つ生命感ゆえの美しさだろう。根から茎、葉、花、実、種の詳細に至るまで描かれているため、子どもの食育にも良いのではないかと思える。例えばジャガイモにはこんな白い花が咲くのかとか、コーヒーの豆はこうして採れるのかとか、リンゴにはこんなにたくさんの種類があったのかとか、恥ずかしながら大人が見ても発見が多々あった。

展示風景　SOMPO美術館

また本展では野菜や果物だけでなく、穀物や砂糖、お茶やコーヒー、カカオ、お酒、ハーブやスパイスとあらゆる植物を対象にしたボタニカル・アートが展示されていたうえ、ティーセットやレシピ帖など食にまつわる関連資料もあり、大変充実していた。これらボタニカル・アートからヒシと伝わるのは、人間の飽くなき探究心である。先人たちの熱心な研究があったからこそ、いま、我々はこんなにも豊かな食を享受できていることを肝に銘じたい。

公式サイト：https://www.sompo-museum.org/exhibitions/2021/botanical-art/

2022/11/22（火）（杉江あこ）