artscapeレビュー

会期：2010/12/02～2011/02/19

INAXギャラリー1［東京都］

幕末の探検家、松浦武四郎の活動を紹介する展覧会。正直言って、まったく知らない人物だったが、北海道を歩き、地図を作成し、一種の観光ガイドまで作成するなど、既成の枠組に囚われない仕事ぶりがおもしろい。とくに、晩年の1887年、さまざまな古材を集積して制作した究極の一畳空間は衝撃的だった。三重の伊勢神宮、静岡の三島神社、京都の平等院、宮崎の鵜戸神社、奈良の吉水神社や法隆寺、岐阜の長瀧寺など、極小なのに、多様な部材が共存する。個別の真偽はともかく、各地から部材を寄せ集めたのは事実だろう。その物語性が重要な建築である。おそらく彼の旅の記憶も喚起したのではないか。

2010/12/16（木）（五十嵐太郎）

会期：2010/12/10～2010/12/19

アクシスギャラリー［東京都］

実験的な椅子のデザインを行なうというと、どうしても椅子の素材を、形態を、時にはその機能を変容させることを考えがちだが、この種のアプローチはもはや遣りつくされた感がある。2010年12月に開催された、デザイナー、建築家、編集者、ライター、プロデューサーのグループ「SIDE」による「chair+」展が興味深かったのは、デザイナーをそうしたジレンマから解放せしめるようなテーマ設定がなされていたことだ。そのテーマとは、「新作の椅子が存在する、あるいは存在に至ったシーンを明確に描く」ことであり、「chair+」のプラスは、デザインの契機やコンセプトを意味する。結果として、「SIDE」の各メンバーが個別のブースで提示したシーンとその椅子は、日常を思いも寄らぬかたちで切り取り、われわれと椅子との多様な関わりを炙り出す刺激的なものだった。
デザイナー・五十嵐久枝は、寝しなに子どもに読む本を積むためのベッド脇の台を、椅子に変換した。台よりも身体的なフォルムを有する椅子は、それ自身の息遣いのようなものを場に与え、背の裏にあるLEDがもたらす椅子の影もこの夢想的な生を主張する。建築家・寺田尚樹は驚くべきことに、名作スーパーレジェーラをプラモデル・キットに変容させた。宙に浮かぶ完成作とその影はもはや座るためではない、イコンとしての椅子の在り様を示すとともに、それを作者がこつこつと作り続ける壮絶な光景を想起させる。対照的に、デザイナー・藤森泰司が生み出したのは、光が差し込む白一色の朝の食卓である。シンプルな椅子のある空間は、「慌しい生活の中の“途中”」である朝のシーンを静止させ、その儚く美しい瞬間を虚構的に顕現させる。ともにデザイナーの村澤一晃と小泉誠は、日本と椅子との関係性を異なる視点から切り取ってみせた。床座用の脚付きクッションをさまざまに発展させた村澤の椅子は各々、部屋の用途を決めない日本家屋と同様、使う人や場所、用途を限定しない不思議な比率を有する。小泉は、過去の日本人が初めて経験した洋風椅子であろう学童椅子に「そり」を付け、現在の日本でもいまだ「洋風」なロッキングチェアに変容させた。デザイナー・若杉浩一に至っては、椅子はもはや人間のためではなく、「酒」のためのものだ。椅子の背は酒瓶を支えるためにあり、一杯やる人間は角材に尻を引っ掛けるのみなのだ。編集者・内田みえ、ライター・長町美和子、グラフィックデザイナー・粟辻美早の3人はメンバーの思考が詰まった展覧会ブックレットを制作し、ブースでは「本」を積み上げた。確かに「本」──グラフィック・デザインと言葉──は、デザインの発展と分かち難く結びつく媒体に違いないことを改めて認識させられる。デザインディレクター・萩原修は、ベンチ一台をブースに置いた。このベンチは、実際にデザインの対話ができる場ともなるが、同時に、本展がメンバー間の討議の所産であることの象徴ともなる。実際、「chair+」展を観て感じられたのは、椅子がいまや生活の基本アイテムであることを超え、現代の高度に発達した文化、思考の表象としてわれわれの内部に棲みつくものであり、その視座における新たなデザインの可能性がわれわれの前に広がっていることなのだ。次回展も期待したい。［橋本啓子］
写真＝大森有起／photo: yukiomori

2010/12/12（日）（SYNK）

会期：2010/11/30～2011/01/23

渋谷区立松濤美術館［東京都］

「イマジュリィ」とは、フランス語で図像、画像のこと。大正期、印刷技術の進歩と普及によって、書籍や雑誌、広告などの複製メディアを舞台に多様な視覚イメージが社会に溢れ出る。アール・ヌーボーやアール・デコといった海外からの様式を取り入れつつ、同時代の文学、文化、社会運動などを反映し、それらがまたこの時代特有の表現の多様性へと結びつく。新しいメディアで活躍したのは、当初日本画や洋画の画家たちであったが、やがてそのような場を専門とする画家、挿画家が現われてくる。この時代の文化は「大正ロマン」「大正モダン」とも呼ばれるが、「大正イマジュリィ」はそのなかでも特に複製技術を前提とした視覚表現を括る概念のようだ。2004年に大正イマジュリィ学会が設立されており、本展は学会の研究活動の一環と位置づけてよいのだろう。図録に収録されている対談に依れば、イマジュリィという言葉は島本浣氏（京都精華大学教授・大正イマジュリィ学会会長）の発案によるものだそうだ。
「大正イマジュリィ」は、基本的には時代区分と発表の場＝複製メディアによって規定される。それゆえ、包摂される画家も作品の様式も多種多様である。本展ではそれを「画家」と「意匠」の二つの切り口から紹介している。
　第一部「大正イマジュリィの13人」（地階会場）では、雑誌『白樺』の芸術感をキーに、13人の画家──藤島武二、杉浦非水、橋口五葉、坂本繁二郎、竹久夢二、富本憲吉、高畠華宵、広川松五郎、岸田劉生、橘小夢、古賀春江、小林かいち、蕗谷虹児──が取り上げられている。橘小夢（たちばな・さゆめ）は名前も作品も初見。《水魔》と題された、河童に取り憑かれ水底へと引き込まれてゆく女性像は幻想的かつ官能的。多くの人が足を止めていた。ぜひまとまって作品を見る機会が欲しい。
　第二部「さまざまな意匠（イマジュリィ）」（二階会場）は、描かれたモチーフをキーに多様な画家たちの作品を取り上げている。ここでも目を引いたのは、「怪奇美のイマジュリィ」のコーナー。谷崎潤一郎の小説に添えられた水島爾保布による人魚像が美しい。そういえば、第一部にも高畠華宵による人魚像が展示されていた。怪奇小説、探偵小説の流行がこのような挿画を必要としていたことがよくわかる。
　図録は一般書籍として刊行されており、書店でも購入可能（山田俊幸監修『大正イマジュリィの世界──デザインとイラストレーションのモダーンズ』、ピエ・ブックス、2010）。［新川徳彦］

2010/12/08（水）（SYNK）

会期：2010/11/29～2011/12/04

香港コンベンション＆エキシビション・センター［香港島ワンチャイ地区］

design Ed Asiaのシンポジウムにおいてレクチャーを行なうために、香港のビジネス・オブ・デザイン・ウィーク（BODW）に参加した。今年はパートナー・カントリーを日本に設定していたので、飯島直樹、佐藤卓、橋本夕紀夫、中村竜治ら、日本から多くのデザインや建築の関係者も訪れていた。会場は巨大なコンベンションセンターである。千人近い聴衆がつめかけたフォーラムのオープニングでは、深澤直人の講演がトップだった。改めてアフォーダンスへの関心がうかがえたが、ゼロ年代以降の建築界でも、小難しい言葉よりもアフォードを、という雰囲気はある。ちなみに、最終日のラストの講演は隈研吾。展示パートは、学校、企業、各種機関などのブースが並び、東京デザイナーズ・ウィークのような雰囲気だった。BODWの関連イベントでは、いまだすさまじい有刺鉄線に囲まれたヴィクトリア監獄を展示場にした「De tour」が印象深い。香港と日本におけるデザイン関係の学校の作品のほか、無印良品（谷尻誠も参加）や中山英之による檻のなかの大量の水チューブなどが展示されていた。香港がデザインに力を注いでいることが強く伝わってくるイベントである。

2010/12/03（金）（五十嵐太郎）

会期：2010/11/20～2011/03/13

兵庫県立美術館［兵庫県］

森村作品のコレクターとして知られるO氏が、兵庫県立美術館に72点の作品を寄贈。現在もO氏が所蔵する作品も加え、約80点が展示された。いわゆるミュージアムピースはなく、小品や書、陶器など、普通の森村展では見られない珍品が多い。また、制作中のポラや、作品のピース、試作品、バージョン違いなど、通常ではまず手に入らないレア・アイテムも。作家とコレクターの厚い信頼関係が窺えるとともに、森村作品の秘密にも迫れる貴重な機会となっている。ミュージシャンのCDにレアトラックスと題した企画物があるが、本展はその美術版と言って良いだろう。来年1月には森村の大規模展「なにものかへのレクイエム」が兵庫に巡回する。両方を見れば、なおさら感動が深まるというものだ。

2010/11/19（金）（小吹隆文）