artscapeレビュー

会期：2015/10/10～2015/12/06

江戸東京博物館［東京都］

浮世絵の専門家である我妻直美と、幕末～明治期の写真師・画家、横山松三郎の研究で知られる岡塚章子、この二人の東京都江戸東京博物館の学芸員が共同でキュレーションした「浮世絵から写真へ」は、とても面白い展覧会だった。
写真術が幕末に日本に渡来した時、それがリアルな遠近法や陰影法を備えた西洋画の一種と見なされたことはよく知られている。油絵、銅版画、石版画、そして写真などの写実的な表現は、伝統的な浮世絵（錦絵）の描法にも大きな影響を及ぼすとともに、主題的にも「黒船」や「文明開化」のようなより時事的な要素が取り入れられていく。一方、写真の側も「名所絵」、「役者絵」、「美人画」などの浮世絵のテーマを巧みに取り込んでいくようになる。本展は、その二つの媒体の交流の様相を、近年発見された新資料を駆使して、ダイナミックに浮かび上がらせていた。
たとえば、明治中期の写真師、小川一真が1890（明治23）年に竣工した浅草・凌雲閣（通称、浅草十二階）のために企画した「凌雲閣百美人」の写真帖、それは歌川国貞らが安政4～5（1857～58）年に売り出した「江戸名所百人美女」のシリーズに通じるものがある。また横山松三郎と鈴木真一が考案し、小豆沢亮一が1885（明治18）年に特許を得た「写真油絵」（鶏卵紙印画の感光面だけを剥離し、裏から油絵具で彩色する技法）は、まさに写真と絵画の合体というべきものだった。江戸東京博物館だけでなく、日本カメラ博物館、横浜開港資料館などから出展された多数の作品・資料から浮かび上がってくるのは、少なくとも明治中期までは写真も浮世絵も西洋画も渾然一体となった、奇妙に活気あふれるイメージ空間が成立していたということである。それらがどのように結びつきつつ発展し、やがて解体していったのか、さらにさまざまな角度から検証していってほしい。

2015/10/30（金）（飯沢耕太郎）

会期：2015/10/03～2015/11/07

タカ・イシイギャラリー　フォトグラフィー／フィルム［東京都］

建築物を被写体としてユニークな写真作品を発表し続けている尾形一郎と尾形優。今回の個展のテーマは「沖縄モダニズム」である。沖縄では、戦後アメリカ軍が軍用物質として持ち込んだ穴あきのコンクリートブロックが各地に普及し、建築資材として利用されていった。それらは、日本の伝統的な「木割り法」を用いた鉄筋コンクリート建築と合体し、柱と梁はコンクリートでありながら、機能的には民家の構造を持つユニークな住居建築を生み出していく。そのミニマルな、「構成主義」的な外観を持つ建物に、装飾的な要素を付け加えているのがコンクリートブロックなのだ。
今回の展示では、4×5インチカメラの大判カメラで撮影された「街並」シリーズから5点と、那覇出身の彫刻家の能勢孝二郎が、コンクリートブロックを素材に制作した作品を、1点ずつ標本のように撮影した「彫刻」シリーズ32点が並んでいた。「沖縄モダニズム」の応用形というべき街の眺め（カラー）と、その基本単位であるコンクリートブロック彫刻（モノクローム）を対比することで、沖縄の「自然や伝統や生活、そこに軍事的環境が進入して、アブストラクトとして表現されることが日常となった時代」があぶり出されていく。これまでの彼らの作品と同様に、目のつけどころと、それを作品として再構築していく手続きは鮮やかとしかいいようがない。
なお彼らの「沖縄モダニズム」の建築物に対する考察は、先に羽鳥書店から刊行された『沖縄彫刻都市』で、写真図版とともに緻密に展開されている。そちらも、あわせて一読していただきたい。

上：尾形一郎／尾形優「街並」シリーズ
下：尾形一郎／尾形優「彫刻」シリーズ
© Yu OGATA & ICHIRO OGATA ONO / Courtesy of Taka Ishii Gallery Photography / Film, Tokyo

2015/10/28（水）（飯沢耕太郎）

発行所：ワイズ出版

発行日：2015年10月5日

中里和人は全国各地に点在する仮設の「小屋」を撮影した代表作『小屋の肖像』（メディアファクトリー、2000年）を見ればわかるように、あまり人が気づかない魅力的な被写体を見つけ出す能力に優れている。本書では、千葉県（房総半島）と新潟県（十日町周辺）に残る、素堀のトンネルをテーマに撮影した写真を集成した。
これらのトンネルは、江戸時代以降に、蛇行する川の流れを変え、かつての河床に水田を開発するために作られたものという。房総では「川廻し」、新潟では「瀬替え」と呼ぶ新田造成のために掘られたトンネルは「間府（まぶ）」と称される。この名称は、どうしてもこの世（光の世界）とあの世（闇の世界）を結ぶ通路を連想させずにはおかない。中里の写真では、トンネルの入口から射し込む光（lux）の圧倒的な物質性が強調されているのだが、これらの写真群は、死者の目で見られた道行きの光景を定着したものといえるのではないだろうか。
そのような、象徴的な意味合いを抜きにしても、素堀の壁に残るツルハシやノミの痕跡、剥き出しになった地層、地下を流れる水の質感、動物の骨や足跡など、それ自体が被写体として実に豊かなディテールを備えているのがわかる。とりたてて特徴のない田園地帯の足下に、このような「日常と非日常を往還するニュービジョン」が隠されていたことは、驚き以外の何ものでもないだろう。このテーマは、さらに別な形で展開できそうな気もする。

2015/10/28（水）（飯沢耕太郎）

発行所：フォト・ギャラリー・インターナショナル

発行日：2015年9月1日

新井卓はここ10年ほど、ダゲレオタイプの作品を制作・発表している。ダゲレオタイプはいうまでもなく、1839年にルイ・ジャック・マンデ・ダゲールがその発明を公表した「世界最初の実用的な写真技法」であり、金属板に沃化銀で画像を定着するためには、複雑で手間のかかるプロセスを経なければならない。しかも新井が撮影しているのは、福島第一原子力発電所の事故現場の周辺地域、死の灰を浴びた第五福竜丸の展示館、アメリカ・ニューメキシコ州の核実験サイト、長崎・広島の原爆遺構や遺品など、アクチュアルな歴史的、社会的な「現場」ばかりだ。普通なら「報道写真」として大量に印刷・公表されていくような被写体を、わざわざ一回の撮影で一枚の写真しか残すことができないダゲレオタイプで制作しているところに、新井の意図が明確にあらわれている。つまり、日々消費され、忘れ去られていく出来事を、あえて「モニュメント」として時の流れの中に屹立させようというもくろみなのだ。
さらに今回、2011年の東日本大震災以降に制作された作品をまとめた写真集を刊行するにあたって、新井は「ダゲレオタイプを印刷するという矛盾」（竹内万里子）も引き受けようとしている。それは複製が不可能であるというダゲレオタイプの特性を否定することに他ならない。だが大西正一によって丁寧にデザイン・造本された黒い箱入りの写真集は、別な意味でそれ自体が「モニュメント」性を獲得しているように見える。新井の仕事につきまとう矛盾や逆説は、マイナス札が揃うとプラスに転じるような効果をもたらしているのではないだろうか。

2015/10/27（火）（飯沢耕太郎）

会期：2015/10/13～2015/11/13

BASE GALLERY［東京都］

寺田真由美は2000年代に入って、ニューヨークを拠点として写真作品を制作しはじめ、日本ではBASE GALLERYを中心にコンスタントに発表を続けている。今回の「温湿シリーズ」も、これまでの作品と同様にミニチュアサイズの「部屋」を構築し、ライティングして撮影するという手法を使っているが、内容的には新たな領域に踏み込みはじめているようだ。
寺田の作品は「不在」というテーマをさまざまなシチュエーションで変奏しているのだが、あまりにも個人的な物語性が強くなりすぎると、やや空々しく思えてしまうこともあった。「温湿シリーズ」も英語の副題が「the view from someone lying in bed × someone else's view from the side」であることから見ると、ベッドの上に横たわって、外の「温室」を視ている人と、それを傍らで看ている人という物語が秘められているようだ。だが、それがあからさまではなく、むしろ植物（外）と部屋（内）、それを隔てつつ繋いでいる窓や扉という空間的な構造が強く打ち出されることで、見る者の記憶を引き出す装置としての作品のあり方が、より普遍性を持ち、明確になってきているのではないだろうか。
また、それぞれのプリントの色調をグレーから緑まで微妙に変化させたり、ピントが合っている部分をずらしたり、構図やライティングを変えたりする操作を、積極的におこなうことで、全体としては統一したトーンを保ちながらも、個々のプリントに変化をつけていることも見逃せない。1点だけ、他の作品とは違うテーマで展示されていた「two flower pots and window」という作品が、どこから来て、どんなふうに展開していくのか、そのあたりも気になるところだ。

2015/10/26（月）（飯沢耕太郎）