artscapeレビュー

会期：2023/07/15～2023/09/24

神奈川県立近代美術館 葉山館［神奈川県］

1970年前後の中平卓馬と森山大道の写真をなんの予備知識もなくパッと見せられたら、どう思うだろうか？ アレ、ブレ、ボケの写真はカッコイイと感じるかもしれないが、それはいまだからいえること。当時は（いまでも事情を知らない人には）ヘタな写真、失敗写真としか映らなかったはず。それがカッコイイと感じるようになるには、作品が生まれてきた文脈、つまり言葉が必要だった。もちろん写真に限らずあらゆる表現を理解するには言葉が必要だが、とりわけ彼らの写真には言葉が欠かせない。そうでなければ、この展覧会はモノクロのブレボケ写真ばかりが続く悲惨な写真展となっていただろう。

中平と森山が初めて会ったのは1964年のこと。同い年（1938年生まれ）で、ふたりとも逗子に暮らしていたという。葉山館で同展が開かれるゆえんだ。当初は中平が雑誌編集者、森山が写真家という関係だったが、中平も写真を発表するようになり、森山との「挑発関係」が生まれる。ふたりは競うように既成の写真概念を突き崩し、アレ・ブレ・ボケによる挑発的な「反写真」を次々と世に問うていく。

その方向性を端的に表わしているのが、カタログに再録された彼らの言説だ。「写真はピンボケであったり、ブレていたりしてはいけないという定説があるが、ぼくには信じがたい。第一、人間の目ですら物の像をとらえるとき、個々の物、個々の像はブレたり、ピンボケだったりしているのだ」（中平）。「何が写真なのか一点の懐疑も持ってない写真、つまりリアリティ欠落の写真、そんな写真へのボクの嫌悪と訣別の念（略）」（森山）。これだけでも従来の写真を否定し、根源から写真を捉え直そうとする彼らの意志が伝わってくる。

こんな言葉もある。「ただものがものとしてあること、そしてそれ以外の一切の人間的、情緒的な彩色をとりはらって、ものがものであるという一事に直面しようというひそかな欲望が、ぼくの中に生まれてきた」。これを読んで、李禹煥が書いたのかと勘違いしてしまった（実際は中平）。それほど同時代・同世代のもの派の思想──もののホコリを払ってあるがままの世界と出会う──とも通底していたのだ。

いや、わざわざ言説を探り出さなくても、彼らが1970年前後に出した写真集や書籍のタイトルを並べてみるだけでもいい。中平らが始めた同人誌『PROVOKE』（「挑発する」という意味）をはじめ、『来たるべき言葉のために』『まずたしからしさの世界をすてろ』『写真よさようなら』『なぜ、植物図鑑か』など、まるでアジテーションではないか。当時の時代性が色濃く現われている。

展覧会では、森山が撮ったホルマリン漬けの胎児の写真に、編集者だった中平がタイトルと文章をつけた「無言劇」から、中平の死後、ふたりが多くの時間を過ごした逗子、鎌倉、葉山界隈をスナップショットした森山の『Nへの手紙』まで、雑誌、写真集、ヴィンテージ・プリントなどが展示されている。写真がスライドのように次々と映し出されるコーナーがいくつかあるが、そのうち1カ所は延々と言説だけが流れていて、彼らにふさわしい構成だと思った。余談だが、森山の写真には「森山神社」「葉山大道」という地名が写っていて、ちょっと嬉しくなった。

公式サイト：http://www.moma.pref.kanagawa.jp/exhibition/2023-provocative-relationship

2023/09/01（金）（村田真）

会期：2023/04/29～2023/09/03

神奈川県立近代美術館　鎌倉別館［神奈川県］

1980年前後、ぼくはしばしば吉村弘さんと会っていた。パフォーマンス・アーティストで、のちに国際芸術センター青森（ACAC）の館長を務める浜田剛爾さんが毎月のように自宅で開いていたパーティーに、ぼくも吉村さんもよく参加していたからだ。パーティーにはほかにも浜田さんのアシスタントをしていた若いアーティストや、たまに音楽家の小杉武久さん、映像作家の飯村隆彦さんらも顔を出していた（みんな鬼籍に入ってしまった）。サティ弾きのピアニストで浜田さんのパートナーの島田璃里さんの手づくり料理をいただき、外国土産の珍しい酒を飲みながら、彼らの話を聞くのが楽しみだった。

吉村さんはがっしりした体躯に口髭を生やしたコワモテだったが、小さな目は優しく、ちょっと鼻にかかった静かな話声は彼の音楽のようにふんわりしていた（なにを話したかほとんど覚えていないが）。しかし吉村さんとの付き合いはその2、3年間だけで、その後たまに美術館などで彼の音楽に触れることはあったものの、本人とはほとんど接点がないまま2003年に亡くなったことを知った。その最後の仕事が神奈川県立近代美術館のためのサウンド・ロゴ《Four Post Cards》で、葉山館の開館時に公開されてまもなく逝ってしまったという。もう没後20年になるのだ。

サウンドアーティストなので、出品は楽譜や同人誌、記録写真、映像など資料類が多いが、図形楽譜やオリジナルのサウンドオブジェ（音具）など視覚的な作品も出品され、見て楽しめる展覧会になっている。年譜をたどってみて、高校時代にエリック・サティの音楽に出会ったこと、大学時代には詩人グループと知り合い、卒業後コンクリート・ポエトリーを発表していたこと、小杉武久率いるタージ・マハル旅行団に参加されていたことなどを知った（ひょっとしたら40年前に聞いていたかもしれないが）。

彼の図形楽譜は五線譜がモコモコと動き出して雲やカモメのようなかたちになったり、音具は空き缶を再利用して意外な音を出したり、どれも優しく、ささやかで、ユーモアに富んでいた。それはサティのいう「家具の音楽」のように、コンサートホールで鑑賞する交響曲だけでなく、日常生活の延長としての音楽表現を考えていたからだろう。

しかし、図形楽譜にしろ、音具にしろ、サティや環境音楽にしろ、あるいはサウンド・パフォーマンスやサウンド・インスタレーションにしろ、どれも吉村さんが言い出しっぺというわけではなく、だれかがすでにやっていたこと。その意味では時代を切り拓いた先駆者ではないし、穏やかな性格ゆえアーティストとしてのインパクトにも欠けるし、音楽と美術の領域にまたがっていたせいかまともに論じられたこともなかったように思う。もっとも吉村さん自身、先頭に立ってアートを変革していこうとか、サウンドアートで名を馳せてやろうなんて考えていなかったに違いない。彼の音楽はただ静かに響いているだけだ。

公式サイト：http://www.moma.pref.kanagawa.jp/exhibition/2023-yoshimura-hiroshi

2023/09/01（金）（村田真）

会期：2023/09/02～2023/11/05

はけの森美術館［東京都］

はけの森美術館の「はけ」とは崖状の地形のこと。最寄りの武蔵小金井駅から歩くと坂を下っていくのは、ここが多摩川の河岸段丘に位置しているからだそうだ。そのせいか「水はけ」もよく、近くには森も点在している。戦後、画家の中村研一（1895-1967）がこの地に移り住み、没後の1989年に遺族が自宅とアトリエを「中村研一記念美術館」としてオープン。その後、小金井市が受け継いで「中村研一記念小金井市立はけの森美術館」となった。通称を「はけの森美術館」としたのは、中村が広く知られた画家ではないからだろう。そのため最近は中村のコレクション展だけでなく、若手作家の個展も開くようになった。

確かに中村は知名度は高くないが、あるジャンルではよく知られた存在だ。それは戦争記録画においてである。東京国立近代美術館が所蔵している戦争記録画153点のうち、もっとも多いのは藤田嗣治の14点だが、藤田は別格として、その次に多いのが中村の9点なのだ。宮本三郎の7点、小磯良平の5点を上回っている。数だけではない。鬼気迫る激戦を描いた大作《コタ・バル》（1942）をはじめ、戦闘機と軍艦を俯瞰した《マレー沖海戦》（1942）、戦争画とは思えない印象派のような色づかい筆づかいの《北九州上空野辺軍曹機の体当りB29二機を撃墜す》（1945）まで、モチーフも表現スタイルも多彩なのだ。ひょっとしたら彼は戦争画によって絵画の可能性を試していたのかもしれない、と思えるほどだ。

今回ここで笹川治子が個展を開くことになったのは、彼女が戦争画に深い関心を抱き、「戦争画STUDIES」展（2015）や「1940s フジタ・トリビュート」展（2018）などの企画に関わってきたからだろう。展示も「中村研一作品とともに」と銘打ち、笹川作品に加えて中村の戦時中の絵画やスケッチなど約50点を並べているから、戦争画に関連する作品であることは間違いない。だが実は、中村の戦争画に触発された作品は多くない。たとえば《6日間》《夕方から正午まで》は、横たわる兵士が最後に見たであろう南国の光景を写した映像で、明らかに南方戦線を想起させるが、これは5年前の旧作だ。

新作の《粒子》や《Recalling》には戦争を想起させるものはなにもない。《粒子》は色とりどりの球体を会場のあちこちに分散して置いたインスタレーションで、それがなにを意味しているのかよくわからないが、タイトルの「届けられた色」がヒントになるかもしれない。中村作品は戦争画にしろ人物画にしろ色彩が問題になることはあまりないが、だからこそ笹川はあえて色彩に目を向けさせようとして、さまざまな色の塊（色素）を置いたのではないか。

《Recalling》は、画面を横切る飛行機を映した後で白い画面に1本の線を引いたり、海岸に棒で線を引いて波が消していったりする様子を捉えた映像作品。線を引く（ドローイング）行為を通して、描くことの原初的な衝動を表わしているようにも見える。どうやら彼女は戦争画をモチーフにしながら、「戦争」を超えて色彩に思いを馳せ、絵を描くことの根源に立ち戻ろうとしているのではないか。それはまた、中村の戦争画を「戦争画として読む」のではなく、色と線で織りなされた1枚の「絵画として見る」ことを促しているようにも受け取れる。戦争画に妙な「期待」を抱いた者は肩透かしを食らわされるだろう。

公式サイト：https://www.hakenomori-art-museum.jp/sasakawa

2023/09/02（土）（村田真）

会期：2023/09/01～2023/10/29

ソウル都市建築展示館／ソウル市民庁・市庁舎［韓国、ソウル］

第4回ソウル都市建築ビエンナーレの都市建築展示館と市民庁・市庁舎の会場を訪れた。これまでに初回と2回目を見ているのでこれで3度目だが、今回の全体テーマは「ランド・アーキテクチャー、ランド・アーバニズム」であり、複数のテーマから構成されている。このエリアでは、「ソウル100年のマスタープラン」と、各国のプロジェクトを紹介する「ゲストシティ」、海外建築家へのインタビューなどが展示されていた。いずれも文字の説明が多いパネルを用い、すべてを読み込むのには相当な時間がかかる。「ソウル100年〜」は、タイプAからタイプFまでの方向性の分類を提示しながら、山、水と風の道から構成される自然環境を背景として、密集都市ソウルに関するさまざまなヴィジョンを提案するものだ。身近なコミュニティの建築ではなく、気候変動など、大きな時間軸を意識した未来的な都市デザインの提案もあり、意欲的な試みである。また「ゲストシティ」ではロッテルダム、シアトル、ブダペスト、シンガポール、香港、ニューヨーク、トロント、パリ、セビリア、東京などの開発の事例を紹介していた。著名な建築家としては、スティーヴン・ホール、ヘルツォーク&ド・ムーロン、ドミニク・ペローらの作品を含む。

「ソウル100年のマスタープラン」、グリーンネットワークに関する展示セクション（ソウル都市建築展示館）

「ゲストシティ」、セビリアの開発事例の紹介（ソウル市民庁）

「ゲストシティ」、スティーヴン・ホールによる「Z次元アーキテクチャ」の展示セクション（ソウル都市建築展示館）

東京については、三つの展示が出品されていた。まず都市建築展示館では、日建設計によるMIYASHITA PARKと東京駅八重洲口の開発である。そして市民庁における、クリスチャン・ディマーと小林恵吾による池袋の「Ikebukuro, Tokyo: Probably Public Space?（おそらく公共空間？）」（小林は2017年のビエンナーレでも、谷中調査を出品）と、ジエウォン・ソンらによる日本橋や丸の内周辺の再開発のリサーチだった。ほかの都市とは違い、いわゆるアトリエ系の建築家によるプロジェクトが選ばれていないのは、そもそも彼らの注目すべき作品が、東京にないという状況を暗示していたのかもしれない。

日建設計による開発事例の紹介（都市建築展示館）

クリスチャン・ディマー＋小林恵吾による「Ikebukuro, Tokyo: Probably Public Space?（おそらく公共空間？）」（ソウル市民庁）

ジエウォン・ソンらによる日本橋、丸の内周辺の再開発のリサーチ（ソウル市民庁）

なお、都市建築展示館では、第41回ソウル建築賞の展示も開催しており、最優秀賞は安藤忠雄が設計した《LGアートセンター》（2022）だった。前回、時間切れで訪問を断念していたが、今回は金浦空港入りでその近くなので、立ち寄ってきたばかりだった。これは貫通する円筒、幾何学的なボリュームの組み合わせを明快に表現したデザインをもつ。ホールゆえに、外観のみでも仕方ないと思ったが、各階のホワイエまで見学することができた。施設が開放的だったことで、さらに心象が良かった。

第4回ソウル都市建築ビエンナーレ：https://2023.seoulbiennale.org/indexENG.html

関連レビュー

第4回ソウル都市建築ビエンナーレ（松峴緑地広場会場）｜五十嵐太郎：artscapeレビュー（2023年10月01日号）
2019ソウル都市建築ビエンナーレ｜五十嵐太郎：artscapeレビュー（2019年10月15日号）
2017ソウル都市建築ビエンナーレ｜五十嵐太郎：artscapeレビュー（2017年11月15日号）

2023/09/05（火）（五十嵐太郎）

会期：2023/09/05～2023/10/27

ギャラリー小柳［東京都］

コロナ禍でしばらく留守にしていたニューヨークのスタジオに戻ると、大量の印画紙が期限切れになっていることに気づいた、と杉本はいう。印画紙は期限が過ぎると劣化し、微妙なトーンが飛んでしまう。そこで杉本写真の売りのひとつである美しいグレーゾーンを諦め、明暗のコントラストの強い写真表現を試みることにした。それが印画紙に直接描く「書」だ。最初は暗室のなかで現像液を筆につけて印画紙に字を書き、一瞬光を当てると、文字が黒く浮かび上がってくる。次に定着液を筆につけて書いてみると、黒地に白い文字が現われてきた。暗室は文字どおり暗闇なのですべては手探りで進めなければならない……。杉本自身によるコメントを読むと、作品に至るまでの過程が手に取るようにわかり、説得力がある。

杉本が書に選んだ文字は「火」。なぜ「火」なのか、写真なら「光」ではないのか。とも思うが、あらためて比べてみると「火」と「光」はよく似ている。それもそのはず、「光」という字は「火」を「人」が上に掲げているかたちなのだ。もともと「火」は象形文字だし、「光」より絵画的でもあるから、書くとしたら「火」だろう。あるいはひょっとしたら「火遊び」というタイトルから先に思いついたのかもしれない。齢を重ねてからの火遊び、手遊び。最近はホックニーにしろ横尾忠則にしろ、超老芸術家の火遊びが盛んだし。

作品は大小合わせて14点。火以外にも「炎」や「灰」もあるが、いずれも力強い筆致で、撥ねや擦れや飛沫を強調するかのように運筆している。人が両手両足を広げて踊っているような火の字もあり、かつて抽象表現主義と張り合おうとした前衛書を思い出す。それにしても真っ暗闇のなか手探りでよく書けたもんだ。おそらく失敗した印画紙はこの何倍、何十倍もあるに違いない。帰りにエレベーターに乗ろうとして振り返ったら、入り口の脇に朱で「火気厳禁」の手書き文字が目に入った。あれ？ こんなの前からあったっけ。

公式サイト：https://www.gallerykoyanagi.com/jp/exhibitions/

2023/09/07（木）（村田真）