artscapeレビュー

会期：2023/09/12～2023/11/26

三井記念美術館［東京都］

まさに超絶技巧！ とにかく驚くべき工芸作品の数々が展示されていた。例えば一木造という一本の木材からスルメを彫り上げた、前原冬樹の作品《『一刻』スルメに茶碗》。干からびたスルメの質感や色、全身のうねりをリアルに表現しただけでなく、それを挟んで吊るしていたのだろうと想像が膨らむ、汚れて錆びたクリップとチェーンまでも再現していた。後からパーツを組み合わせたのではなく、すべて一本の木材でできているのだ。また立体木象嵌という独自の嵌め込み技法で、木材がもつ自然の色を組み合わせて美しいアゲハ蝶を生き生きと表現した、福田亨の作品《吸水》。アゲハ蝶が吸水している艶やかな水滴も、実はその台座と共に一木造で彫られたのだという。こうした木彫以外にも金属、陶磁、漆、ガラス、紙などの素材を使い、伝統技法をベースにしながら独自に培った方法で、さまざまな技巧や表現に挑んだ作家たちの工芸作品をたっぷり観ることができた。

前原冬樹《『一刻』スルメに茶碗》（2022）

日本の工芸では、皿や壺など、基本的に用を成す作品をつくる。それに対し、用を成さない抽象的なオブジェは現代美術の範疇となる。本展を観て気づいたのは、そのどちらでもない作品が多いということだ。オブジェではあるが、抽象的ではなく具象的。つまり見立ての作品である。前者も一目でスルメとわかる作品だが、本物のスルメではなく、木彫のスルメもどきである。しかも本物と見分けがつかないほど精巧にできている。後者も本物にしか見えない木彫のアゲハ蝶だ。ほかに鉄鍛金でカラスを、銀で梱包材のプチプチに包まれた箱を、漆工で工具箱やモンキーレンチ、ねじを表現するなど、暮らしに身近なものを題材に選び、異素材で見立てた作品が多く並んでいた。

福田亨《吸水》（部分／2022）

それは、なぜなのだろうか。日本には伝統的に見立ての文化があることは確かだが、それだけではないはずだ。おそらく用を成す作品にしないのは伝統工芸から離れたいからであり、かと言って抽象的なオブジェに振り切らないのは評価が分かれる分野だからではないか。超絶技巧をきわめる作家たちにとって、もっともアピールしたいのは自身の技巧や表現力だ。作品を通して多くの鑑賞者にすごいと思ってもらうには、判断基準が明確である方が容易い。そのため誰もがわかる身近なものを題材とすることで、技巧により焦点が当たるようにしたのではないか。そこに異素材ゆえのギャップがあればあるほど感嘆は大きい。現に私自身も、本展を観ながらすごいなぁと溜め息ばかり漏れていたのである。

本郷真也《Visible 01 境界》（2021）

超絶技巧、未来へ！　明治工芸とそのDNA ：https://www.mitsui-museum.jp/exhibition/

2023/10/29（日）（杉江あこ）

会期：2023/10/27～2023/11/05

AL TOKYO［東京都］

遠藤励（つとむ）は1978年、長野県大町市に生まれ、現在も同市に在住する写真家。1990年代からスノーボードの世界に深く関わり、その写真を撮影するようになった。スノーボーダーのライフスタイルや、彼らを取り巻く自然環境が主なテーマだったのだが、2000年代以降、雪質の変化などに地球温暖化の影響を強く感じざるをえなくなったという。同時期に、スノーボーダーたちを「部族」と捉える観点から、北極地方の人々の暮らしにも関心を深め、近年はグリーンランドを何度も訪れるようになった。そこに生きるイヌイットの人たちの暮らしのあり方、生態系、民俗・文化に及ぼす気候変動の影響などを捉えた写真群を集成したのが今回の個展である。タイトルの「MIAGGOORTOQ」（ミアゴート）というのは「犬の遠吠え」を意味する現地語だという。

会場には、氷に覆われたグリーンランドの風景、イヌイットの人たちのポートレート、イッカク猟などの写真とともに、彼らの道具、装身具、毛皮などの実物が並び、現地で録音した音声が流れていた。遠藤がそこで見たもの、経験した事柄を、できるだけ立体的に体感してもらおうという意図が伝わってきた。写真の質も極めて高い。動きの大きいスノーボードを撮影してきた経験が、ダイナミックな構図と瞬間撮影に活かされ、北の風土の光と空気感が繊細に捉えられている。被写体への向き合い方も自然体で、彼らへのリスペクトを感じさせるものになっていた。

ただ、会場の構成も展覧会のカタログとして刊行された同名の写真集も、文字情報を極力抑えているように見えることがやや気になった。一枚一枚の写真にもう少し丁寧なキャプションをつけ、遠藤が現地で感じた心の動きなども記したほうが、観客とのコミュニケーションという点ではよかったのではないかと思う。仲間内だけではなく、彼の写真を初めて見る人にもその意図がしっかり伝わる構成にしてほしかった。今後は、文字情報を中心にした冊子の刊行なども考えられるのではないだろうか。

遠藤励「MIAGGOORTOQ」：https://al-tokyo.jp/news/miaggoortoq/

2023/10/30（月）（飯沢耕太郎）

会期：2023/10/13～2023/12/24

東京オペラシティ アートギャラリー［東京都］

1953年に沖縄県大宜味村に生まれ、1970年代から沖縄の社会的現実に肉薄する写真を発表し続けてきた石川真生の、東京では初めての本格的な個展である。

会場の写真はくっきりと二つに分かれているように見える。前半部には「赤花 アカバナー 沖縄の女」（1975-1977）、「沖縄芝居―仲田幸子一行物語」（1977-1992）、「沖縄芝居―名優たち」（1989-1992）、「港町エレジー」（1983-1986）、「Life in Philly」（1986）、「沖縄と自衛隊」（1991-1995、2003～）、「基地を取り巻く人々」（1989～）、「私の家族」（2001-2005）と、沖縄を舞台として、文字通り体を張ったドキュメンタリー作品が並ぶ。後半部には、「日の丸を視る目」（1993-2011）、「森花―夢の世界」（2012-2013）といった演出的なパフォーマンスの記録を挟んで、2014年から続けている大作「大琉球写真絵巻」のシリーズが並んでいた。

前半部の、スナップ写真の偶発性を取り込んだドキュメンタリーは、石川以外の誰にも成しえなかった凄みのある写真群といえる。あくまでもプライヴェートな視点にこだわりながら、時にユーモアさえ感じさせる自在なカメラワークで、沖縄の半世紀に及ぶ歴史と時間の厚みを浮かび上がらせていく。だが、後半部分の「大琉球写真絵巻」については、やや割り切れない気持ちが残った。沖縄の過酷な社会状況に対して、多くの人たちとの共同作業を通じて「私に何ができるか」という真摯な問いかけを投げかけていこうという意図は強く伝わるのだが、写真の発するメッセージが直裁的すぎて、イデオロギーのイラストレーションに見えかねないところがあった。

とはいえ、石川が苦闘しつつ編み出していった、演出的な写真とスナップ的な写真の共存という方向性は、さらなる可能性を孕んでいる。ぜひ、より若い世代の沖縄の写真家たちに受け継いでいってもらいたいものだ。

石川真生「私に何ができるか」：https://www.operacity.jp/ag/exh267/

2023/11/01（水）（飯沢耕太郎）

会期：2023/10/27～2024/01/21

東京都写真美術館 3階展示室［東京都］

「見るまえに跳べ（Leap before you look）」というのはW.H.オーデンの詩のタイトル。大江健三郎が、1958年に刊行した短編集のタイトルに使ったのでよく知られるようになった。オーデンや大江健三郎の仕事と本展とのあいだに直接的な関連はなさそうだが、出品作家の作品世界とも、とてもうまく響き合っているように感じた。

熱量の大きな展覧会である。会場の入り口から淵上裕太、夢無子（むむこ）、山上新平、星玄人、うつゆみこと並ぶ展示のエネルギーの放射量はただならぬものがある。作風はバラバラだが、たしかにまず「見る／考える」前に、ともかくシャッターを切って被写体を掴みとるという姿勢は共通している。

淵上は上野界隈のやや不穏な空気感を漂わせる人物たちのスナップ、夢無子はウクライナを二度訪れて撮影した写真群を、日録的な文章とともにスライドショーで見せていた。山上は写真集『Epiphany』（bookshop M、2023）の収録作を中心に、何ものかの顕現を繊細に浮かび上がらせる。星は西成、新宿、横浜などの路上スナップに加えて、4×5インチ判のカメラで撮り下ろしたという西麻布のスナックを訪れた人たちのポートレートを出品。うつゆみこは近作の二人の娘をモデルに撮影した写真を含めて、まさに「Wunder Kammer（驚異の部屋）」（同名の写真集をふげん社から刊行）そのものというべき作品群を開陳していた。

コンセプトを丁寧にかたちにしていく営みも悪くはないが、ある意味行き当たりばったりの衝動に身を任せて「見るまえに跳ぶ」ところに、写真という表現メディアの大きな可能性があるのではないかと思う。そのことを、あらためて強く感じさせてくれた好企画だった。

見るまえに跳べ　日本の新進作家vol.20：https://topmuseum.jp/contents/exhibition/index-4542.html

関連レビュー

うつゆみこ『Wunderkammer』｜飯沢耕太郎：artscapeレビュー（2023年11月15日号）

2023/11/02（木）（飯沢耕太郎）

会期：2023/10/07～2024/01/08

PLAY! MUSEUM［東京都］

鹿児島陸の名前や作品はメディアやプレスリリースなどを通してこれまで目にしたことはあったが、実物を見るのは初めてだった。皿や鉢の見込みいっぱいに描かれた愛らしい花や草木、動物たちを眺めていると、心がほんわりと和んでくる。毎日の暮らしに寄り添うようにと、本展は朝に始まり夜に終わるというユニークな趣旨から「あさごはん」「さんぽ」「おやすみなさい」など一日のシーンごとで構成されていた。おかげですっかり彼の作品に魅了されてしまった。

鹿児島の作品は、いわゆる日本の伝統工芸とは表現方法が異なる。技法の説明を読むと、素地にさまざまな色の顔料で下絵付けした後に線彫りを施し、図案のアウトラインを際立たせているのだという。そもそも下絵付けでこれほどカラフルに発色させられるのかという驚きもあったが、彼の作品を特徴付けているのは多分アウトラインの明瞭さだろう。これによってパッチワーク作品のような温かみを感じるのだ。しかも絵付けした後に線彫りする手順であるため、絵が線からわずかにはみ出ていたり足りなかったりする。そこにハンドメイドらしい伸びやかさを感じる。

展示風景「鹿児島睦　まいにち」展　PLAY! MUSEUM［撮影：植本一子］

こうした技法だけでなく、まるで童話の世界から飛び出したかのような愛嬌たっぷりの動物たちも魅力のひとつだ。本展で秀逸だったのは、児童文学作家の梨木香歩が鹿児島の作品を見て物語を書き下ろしたという絵本『蛇の棲む水たまり』の展示である。器と言葉で物語を観賞できるようになっていて、その世界観を十分に体験できた。陶芸家のなかには初めに物語を書いて、それに基づいて器を製作する人がいるが、逆の手順とはいえ、絵に物語を感じるというのも彼の作品の特徴なのだろう。

展示風景「鹿児島睦　まいにち」展　PLAY! MUSEUM［撮影：植本一子］

また陶芸以外に、鹿児島はほかの職人やメーカーに図案を提供して協働でプロダクトを製作することにも積極的だ。プロフィールを読んで、その理由がよくわかった。美術大学を卒業後、インテリアショップ2社に勤め、そこでビジネスとクリエイティブを結び付ける方法を学び、さらに大量の入荷商品を見ることで品質を見極める目を養ったのだという。独創的な作品づくりとビジネスを両輪で進める力に長けていることも彼の強みである。それはどの工芸作家やクリエイターにも、いまの時代、とても必要な力だと感じる。

展示風景「鹿児島睦　まいにち」展　PLAY! MUSEUM［撮影：植本一子］

鹿児島陸　まいにち：https://play2020.jp/article/makoto-kagoshima/

2023/11/03（金）（杉江あこ）