artscapeレビュー

会期：2018/06/01～2018/07/16

京都芸術センター［京都府］

京都芸術センター「Tips」展に出品された本作は劇作家サミュエル・ベケットの映画『フィルム』（1965）を元にしたインスタレーション。同時に、同タイトルのパフォーマンス（2014）を再構成したものでもある（ちなみに筆者はパフォーマンス版にドラマトゥルクとして参加していた）。

『フィルム』は逃げるように街路をゆく男の後ろ姿から始まる。男はある部屋に逃げ込むとカーテンを閉め、犬や猫を追い出し、鳥かごや金魚鉢に覆いをかけていく。他者の視線を排除し、安心した男がまどろみ始めると、カメラがゆっくりと男の正面へと回り込む。ハッと目覚めた男が目にするのは自らと瓜二つの男の姿だ。他者の視線をいかに排除しようと、自身の知覚から逃れることはできない──。

パフォーマンス版は犬や鳥かごなど映画に登場する要素を撮影した写真を展示したギャラリーで、それらの写真を使って『フィルム』を撮影する様子を観客に見せるというもの。インスタレーション版はパフォーマンスで使用した写真や上演台本、記録映像に加え、上演空間のジオラマと、そのジオラマを使った指人形によるパフォーマンスの「再演」映像によって構成されている。

インスタレーション版では、来場者の鑑賞行為そのものが元となったパフォーマンスの一部、視線の運動を再現することになる。そもそものパフォーマンス版自体が展示空間で写真を見ていく様子を要素として組み込んでいたからこその手法だが、指人形を使った「再演」映像とジオラマによるサイズ感の操作も効いている。鑑賞行為自体をキーにするという手法は、そのままの形で保存・再生することができないパフォーマンスをいかにアーカイヴするかという問いに対するひとつの応答であり、『フィルム』の脚本冒頭に掲げられた哲学者バークリーの言葉「存在することは知覚されることである」を体現するものでもあるだろう。作品に内在する運動は文字通り、鑑賞されることによって立ち上がる。

［撮影：Arata Mino］

公式ページ：https://www.aratamino.com/
三野新「Prepared for FILM」初演劇評：http://www.wonderlands.jp/archives/26131/

2018/07/08（山﨑健太）

会期：2018/07/05～2018/07/10

BUoY［東京都］

sons wo:として演劇作品を上演してきたカゲヤマ気象台が、「円盤に乗る派」の名で新たなスタートを切った。「複数の作家・表現者が一緒にフラットにいられるための時間、あるべきところにいられるような場所を作るプロジェクト」として、カゲヤマによる上演作品を軸としつつ「様々なプログラムや冊子の発行」を行なうのだという。今回は上演と合わせてポスト・パフォーマンス・パフォーマンス、ポスト・パフォーマンス・パーティ、シンポジウム「肉が柔らかくなるまで未来について話す」、生活状態（ライフスタイル）誌『STONE/ストーン』の発行が行なわれた。

『正気を保つために』はハードボイルド調の三人芝居。探偵事務所を構えたばかりの田七（峰松智弘）のところに小林弐千年（小山薫子）が訪ねてくるところから物語は始まる。だが、もうひとりの登場人物・未知（立蔵葉子）も含めた彼らの関係は不明瞭で、ときに家族や同級生であるかのようにも見える。彼らは互いに対して、記憶が混線しているかのように存在している。

［撮影：濱田晋］

ところで、彼らの台詞にはきわめて多くの固有名詞が登場する。ポランスキー、神田川、デニーズ、つかこうへい、ラジオ・ヘッドetc.。これらの単語は登場人物にとって、あるいは物語にとって必ずしも重要なわけではない。しかし彼らがそれを口にするということは、それが何らかのかたちで彼らの人生に関わっていることを意味している。つまり、それは彼らの人生の一部だ。

「円盤に乗る派宣言」には次のような一節がある。「人間のかたちをして生きていくとき大事なのは、いつでも円盤に乗れるようにしておくことだ。そこでは見たことのない、知らないものがなぜか親しい」。より多くの人間の営みが集うようなかたちでカゲヤマが活動を再始動したのは、だからそういうことなのだろう。正気を保つために必要なのは、独りきりの強い意志でも自我でもない。私は大きな意味を持たない無数の断片でできている。

［撮影：濱田晋］

公式ページ：http://noruha.net/

2018/07/09（山﨑健太）

会期：2018/06/22～2018/07/14

ZEN FOTO GALLERY［東京都］

原田直宏は1982年、東京生まれ。2010年に早稲田大学芸術学校空間映像科を卒業し、2011年頃から写真作品を制作・発表し始めた。ZEN FOTO GALLERYでの個展デビューは、2014年の「泳ぐ身体」だが、そのときから「レイヨグラフ（フォトグラム）とストリートフォトグラフを混ぜ合わせる」という独自の手法を用いている。「泳ぐ身体」はモノクローム作品だったが、今回の「THE THIRD ROOM 三つ目の部屋へ」ではカラー写真に変わっており、フィルターを使ってつくり出したという原色の色面構成が効果的に使われていた。都市空間を舞台に見立てて、人工的なライティングで照らし出し、異化効果を引き出すやり方は、かなりうまくいっている。展示されている写真相互の関係性もよく考えられていた。

ただ、このまま続けていっても、バリエーションが増えていくだけなので、そろそろ次のステップに進むべき時期がきているのではないだろうか。「レイヨグラフとストリートフォトグラフ」という組み合わせは続けるにしても、どこで、何を撮影するのかという被写体の設定を、もっと注意深く考える必要がある。スナップ撮影だけではなく、あらかじめ場面をつくり上げて撮影する場合も出てくるかもしれない。その答えをうまく見つけられれば、作者の意図を、より精確かつ切実に観客に伝えることができるはずだ。

なお展覧会にあわせて、ZEN FOTO GALLERYから同名の写真集（プリントつきの「スペシャル・エディション」もあり）が刊行されている。

2018/07/10（火）（飯沢耕太郎）

会期：2018/07/07～2018/08/10

タカ・イシイギャラリー フォトグラフィー/フィルム［東京都］

奈良美智はいうまでもなく日本の現代美術を代表するスター作家だが、彼が写真に並々ならない関心を抱き続けてきたことは、それほど知られていないのではないだろうか。まだアーティストとして活動する前の10代の頃から、カメラを手にして写真を撮り続けてきた。だが今回タカ・イシイギャラリー フォトグラフィー/フィルムで開催された「2014年から約5年間に亘り撮影された写真群」による展示を見ると、写真はむしろ彼の作品世界の支えになっているのではないだろうか。奈良のドローイングや彫刻作品の多くは、観念レベルではなく身体レベルでの経験によるインスピレーションを得て制作される場合が多い。その場合、日常的な出来事を身体的に受け止め、記憶に落とし込み、それらをもう一度再構築して作品化するプロセスにおいて、写真で撮影するという行為が大事な役目を果たしているのではないかと思う。

ただ、今回の展示にもよくあらわれているのだが、奈良にとっての写真は単純な記憶のアーカイブというだけではない。それ自体がとても歓ばしい視覚的な体験なのだ。奈良の写真には正面から被写体を捉えた、いわゆる「記念写真」的な構図のものがとても多い。そして、そこに写っている被写体のほとんどは、彼が大好きなものなのではないかと想像できる。好きなものが目の前に現われたことの手放しの感動、そしてそれを写真という形で所有できることの歓びが、彼の写真からはつねに溢れ出ていて、その波動が観客を包み込むように広がってくる。今回のメイン展示である、3つの大きなテーブルに各55枚の写真を封じ込めたインスタレーションでは、それぞれの写真は以前のinstagramのように真四角にトリミングされていた。奈良はinstagramの「いいね！」の感覚を、実際にinstagramが登場する前から、ごく自然体で自分の写真に取り込んでいたということだろう。

なお展示にあわせて、タカ・イシイギャラリー フォトグラフィー/フィルムから写真集『days 2014-2018: Sixteen springs and sixteen summers gone─Take your time, it won’t be long now』が刊行された。そこにおさめられた写真も、ほとんどが真四角にトリミングされている。

Yoshitomo Nara, “SAKHALIN”, 2014, pigment print © Yoshitomo Nara / Courtesy of Taka Ishii Gallery Photography / Film

2018/07/10（火）（飯沢耕太郎）

会期：2018/07/11～2018/08/28

キヤノンギャラリーS［東京都］

1980年代にパリコレ・モデルとして活動した後、写真家に転身した安珠。彼女の本格的な写真展は、これまであまり開催されてこなかったのだが、今回のキヤノンギャラリーSの展示を見て、写真家としての力量を再認識した。

「少年少女の世界」は安珠の原点というべき作品群で、1990年代に『サーカスの少年』（1990）、『少女の行方』（1991）、『星をめぐる少年』（1993）、『眠らない夢』（1996）の「4部作」を刊行している。今回の展覧会では、その4冊の写真集からピックアップした作品をそれぞれの小部屋に分けて展示しており、ピンクを基調とした壁面構成、フランスの写真家、ベルナール・フォコンのマネキン人形のコレクションを使ったインスタレーションなど、細部までよく練り上げられていた。こうしてみると、安珠が日本ではむしろ珍しい演劇的な構想力を備えた写真家であり、物語世界を組み上げていく才能に恵まれていることがよくわかる。植田正治や細江英公、あるいは近年国際的に再評価の機運が高まっている山本悍右などを除いては、日本の写真家たちが演劇的なスタイルの写真を発表すると、うまくフィットせず、どこか白々しい気分になってしまうことが多い。撮る側と撮られる側の両方の立場を経験している安珠はその数少ない例外なので、これらの演出写真の水脈が2000年代以降に中断しているのは、とてももったいないと思う。

会場には旧作のほかに。老人と少年を同じポーズで撮影した90年代の未発表作「ジャネーの法則」や、ピンク色の紙の繊維を透かして写真を見るようにセットされた「蝶の囁き」など、意欲的な新作も出品されていた。彼女のフォト・ストーリーの新たな展開をぜひ見てみたい。

2018/07/11（水）（飯沢耕太郎）